Mundo Controverso

The Horrors – Skying (2011)

2012-02-08T05:47:00.000-08:00

Quando o The Horrors surgiu com o primeiro álbum, Strange House, em 2007, fazia uma música que era um verdadeiro caldeirão de Medeia de influências; era um som mais ácido, barulhento onde o psychobilly sobrepujava os demais elementos. Sei lá, aquelas guitarras e vocal gritado de Faris Badwan me lembrava o The Cramps.

No segundo trabalho, Primary Colours (2009), nota-se uma mudança enorme, para melhor! A banda ganha personalidade. O som trash de garage dá lugar a uma música mais elaborada: influências psicodélicas e de krautrock, shoegazer do final dos anos 80, levemente eletrônico e canções mais longas dão o tom.

Ano passado The Horrors lançou Skying, o terceiro álbum. Menos krautrock e shoegazer, dando mais espaço para as influências pós-punk de bandas como Echo & The Bunnymen, Simple Minds e The Psychedelic Furs, principalmente esta última. As guitarras foram para o segundo plano e os teclados tomaram conta das composições de vez; basta ouvir as primeiras faixas Changing the Rain e You Said.

O quinteto de Southend-on-Sea (uma cidade turística perto de Essex) mostrou que muda em cada disco. A voz de Faris está cada vez melhor, a guitarra de Josh Hayward flutua levemente nos tapetes sonoros do teclado de Tom Cowan, enquanto a cozinha de Rhys Webb e Joe Spurgeon mantém a seção rítmica bem ao estilo Stone Roses e Inspiral Carpets.

Desta vez o álbum foi produzido pela própria banda, o que foi bom para acabar com a bobagem de muitos pensarem que a mudança sonora que se deu a partir de Primary Colours foi devido à produção (a velha história de disco de produtor) de Geoff Barrows, célebre produtor do Portishead.

Entreat - a versão ao vivo de Disintegration do The Cure

2012-02-03T11:28:00.000-08:00

Entreat é a versão ao vivo do álbum Disintegration do The Cure, gravado em Londres, na Wembley Arena; na verdade incluía apenas 8 músicas. Lançado oficialmente em março de 1991 (CD, vinil e fita cassete), registrava a Prayer Tour, um show inesquecível.

Em 2010 com o relançamento de Disintegration, aproveitaram para relançar também Entreat, desta vez com todas as músicas. Entreat em sua nova versão (edições limitadas em LP duplo) passou a se chamar Entreat Plus. A versão Deluxe Edition de Disintegration (em 3 CD´s) vem com o álbum de 1989, mais Entreat e um terceiro CD incluindo demos e outtakes.

Infelizmente quando Disintegration saiu em vinil, aqui no Brasil, não foram incluídas as canções Homesick e Last Dance; músicas as quais considero indispensáveis, principalmente Homesick - uma das músicas mais tristes que já ouvi na vida. O tema do álbum era sobre envelhecer, quando começamos a olhar com tristeza e saudade para o passado.

Jesus and Mary Chain - Psychocandy (1985)

2012-01-29T04:12:00.000-08:00

Para uns, Psychocandy é um clássicos dos anos 80 que abriu caminho para várias bandas como My Blood Valentine, Chapterhouse, Loop e Spacemen 3, bem como definiu aquilo que ficou conhecido como shoegazer. Para outros, não passa de barulho em três acordes onde mal se pode ouvir a música, devido o “wall of sound” ensurdecedor de microfonia.

O álbum marca a estreia em vinil dos irmãos Reid – Jim e William – que mal haviam saído da adolescência, e contando com o reforço dos amigos Douglas Hart e Bobby Gillespie - o futuro Primal Scream escondido no mini-kit de bateria.

Antes, lançaram alguns singles irretocáveis, “Upside Down” e “Never Understand” – mas não se preocupe os singles dá época foram todos incluídos (mais b-sides e versões ao vivo) na versão deluxe, lançado em 2011.

Em meio à barulheira ácida podemos distinguir influência de surf music (Beach Boys, no caso), reverberações ecos de Suicide, Velvet Underground e a urgência punk do Buzzcoks. Entrementes, há espaço para baladas pop; é o caso de "Just Like Honey", "Cut Dead" e "Sowing Seeds", canções doces como mel.

Os escoceses amansariam sua música no álbum seguinte (“Os ruídos e a microfonia estavam destruindo o grupo. As pessoas só comentavam o barulho que fazíamos, ignorando nossas composições”, Jim Reid), Darklands, outra obra-prima.

Buddy Holly, o primeiro “nerd” do Rock´n´Roll

2012-01-22T16:34:00.000-08:00

Charles Hardin Holley em Lubbock – com este nome um artista dificilmente faria sucesso à frente de uma banda de rock´n´roll. Se não bastasse, o visual de nerd também não ajudava muito. No entanto, ao passar a utilizar o apelido Buddy, cortar o “e” de Holley e estar à frente da banda Crickets (os Grilos) – que influenciaria a criação do nome The Beatles -, ele em apenas dois anos produziria um catálogo de canções que provocaria grande impacto nas gerações subseqüentes do rock.

Buddy Holly – como a maioria dos jovens antes do advento do Rock´n´Roll -, tinha o country como a maior influência e a figura de Hank Williams, um modelo a ser seguido. Mas Holly também estava ligado ao R&B e blues, que eram outros ingredientes na receita do rock´n´roll.

Nascido no Texas e cercado por uma família musical, aos cinco anos de idade já participava de programas do tipo “show de talentos”. Ao conhecer Bob Montgomerey em 1955, inicia a dupla Buddy and Bob Show, passando a se apresentar para o público local. Mas tudo mudaria ao conhecer Elvis Presley, quando abriu seus shows em Lubbock e se tonaria amigo do Rei.

No ano seguinte, já como Buddy Holly and the Crickets registra a canção “That´ll Be The Day”, no estúdio do produtor Norman Petty - música pinçada de seu antigo repertório country, numa releitura rock. Foi ela que atraiu a atenção! do selo nova-iorquino Coral/Brunswick, que logo a lançou. Não demorou para o compacto atingir os primeiros lugares das paradas.

Foi o início de uma extraordinária associação entre Holly, Petty (que também se tornou seu empresário e (co-autor da maioria das músicas, prática muito comum entre os produtores na época) e os músicos que integraram os Cricket sem suas diversas formações - os guitarristas Niki Sullivan e Tommy Allsup, os baixistas John B. Maudline Larry Welborn, e o pianista Glen Hardin, entre outros. Sob as batutas da dupla Holly/Petty foram desenvolvidas técnicas pioneiras não só no approach musical - como a simbiose do country com a batida pesada, herdada do r&b e o característico vocal hiccup ("soluçado") de Holly, estendendo-se de seu timbre normal até o falsete -, mas principalmente em termos de técnicas de gravação.

Foram os primeiros a utilizar overdubs em estúdio (a voz dobrada de Holly em "Words Of Love") e outros métodos pouco ortodoxos de gravação (as palhetadas de Holly em primeiro plano e o acompanhamento apenas de tom-tons feito por Allison em "Peggy Sue" ou este último "tocando" os próprios joelhos em "Everyday").

Holly se separaria dos Crickets e em 1958 começaria carreiro solo. Para promover sua nova fase aceitou entrar para a turnê Midwest Winter Dance Party, ao lado de Dion and The Belmonts, Richie Valens e Big Bopper. Viajavam de ônibus (nem sempre em boas condições) enfrentando condições climáticas baixas regidas por neve e gelo.

Em meio à turnê o ônibus chegou a quebrar, Holly desesperado por uma boa noite de sono, alugou um avião particular para a banda chegar até Morehead, Minnesota, o próximo local de show. Após uma disputa para quem iria de avião, tiraram a sorte no velho e bom método de cara ou coroa, Holly, Valens e J. P. Richardson (Big Booper), claro, junto ao piloto, decolaram com em 3 de fevereiro de 1959. Infelizmente, o avião foi encontrado espatifado em um anteparo contra a neve, a treze quilômetros do aeroporto.

O legado de Holly é enorme, ainda mais se levarmos em conta a sua curta carreira. Muitos grupos não apenas seguiram a formação de duas guitarras, baixo e bateria, como também reproduziram o clima das músicas.

Bob Dylan chegou a assistir um dos últimos shows de Holly, Paul McCartney adquiriu os direitos de edição de todo o catálogo do artista e a influência de Buddy Holly estender-se-ia até a New Wave. Elvis Costello que o diga.

David Bowie - Space Oddity (1969)

2012-01-16T04:21:00.000-08:00

Primeira edição sem o título

Space Oddity (Man of Words / Man of Music nos EUA) é o segundo LP de David Bowie, de 1969, no qual se percebe suas primeiras mutações visuais e musicais. Ele abandonava o estilo e visual mod e partia para algo mais próximo ao folk, rock progressivo e vestígios de psicodelia. Na verdade o disco é bem riponga; tanto que alguns críticos referem a essa fase como a “a fase hippie”.

O álbum sempre criou certa confusão, pois seu primeiro lançamento pela Philips trazia um foto facial de Bowie exposta em cima de uma obra do artista Victor Vasarely com manchas azuis e violeta sobre um fundo verde. A capa vinha apenas com o nome David Bowie.

Versão de 1972. Bem diferente do original

Quando o álbum foi relançado como Space Oddity em 1972 pela RCA, um retrato mais recente do período Ziggy Stardust foi exibido na capa. Para a reedição em CD de 1999 a capa original foi restaurado no Reino Unido, embora o novo título fosse adicionado sob o retrato para evitar mais confusão. A edição para o 40th Anniversary também usa a tampa original do Reino Unido, mas reverte para a tonalidade verde original e o título “David Bowie”.

Space Oddity, que abre o álbum, é um de seus maiores sucesso e uma de suas canções mais conhecidas. Inspirada em 2001, Uma Odisséia No Espaço, de Stanley Kubrick, é lançada no dia 11 de julho de 1969, nove dias antes de Neil Armstrong pisar na Lua, em single. A música foi um sucesso, chegando ao quinto lugar da parada britânica e primeiro lugar nos EUA; mas o disco foi um fracasso total.

Quem tem a compilação Love You Till Tuesday, que promovia o filme de mesmo nome, pode-se ouvir a primeira versão de Space oddity, bem mais rústica.

Versão com o título adicionado

O álbum não vive apenas da canção título, outras canções se destacam. Wild Eyed Boy from Freecloud, muito influenciada pelo budismo. Aliás, Bowie pensava seriamente em virar monge budista – sorte nossa ele desistir um mês antes de ter a sua cabeça raspada e fazer seus votos.

Memory of a Free Festival soa nostalgica, trata-se de uma reminiscência de um festival de artes que ele tinha organizado em 1969; também foi interpretada como um comentário irônico sobre a contracultura. O andamento lento e com um crescente coro no final a fez ser comparada a Hey Jude dos Beatles.

Unwashed and Somewhat Slightly Dazed mostra uma forte influência de Bob Dylan. Letter to Hermione é uma balada de despedida dedicado a ex-namorada de Bowie, Hermione farthingale.

Depois deste álbum Bowie lançaria The Man Who Sold the World, outro incrível trabalho, uma mescla de heavy metal com os solos chapantes de Mick Ronson e aparece de vestido na capa.

Calenture (1987) – The Triffids

2012-01-06T03:06:00.000-08:00

Os australianos, oriundos da cidadezinha australiana de Perth, do The Triffids neste quinto trabalho atingiram seu melhor momento. A banda no álbum anterior, Born Sandy Devotional (1986), já havia preparado terreno quando soube melhor moldar suas influências de folk, blues, art rock, pop e muito The Doors – em vários momentos baixa um Jim Morrison na voz do líder David McComb; o que fica óbvio em canções como Kelly´s Blues. Calenture também traz a maior concessão ao pop da banda, Holy Water.

O título do álbum, Calenture, significa um delírio tropical que acomete os marinheiros que passam muito tempo longe da terra firme, fazendo-os pular em alto-mar, imaginando que se trata de uma pradaria. Ele traduz perfeitamente o clima alucinatório que permeia as composições de David McComb.

Algumas canções com certo clima blues, cheias de tristeza palpável lembra outro australiano, Nick Cave, principalmente em sua fase The Good Soon. Mas são as baladas pungentes de Bury Me Deep in Love, Blinder by the Hour e What You Can que comprovam toda a beleza deste álbum.

A banda lançaria mais um álbum, The Black Swan, antes de se separar em 1989. McComb tentou estabelecer carreira solo, lançando Love of Will, de 1994. Infelizmente em uma viagem para Nova York, McComb ficou doente, rapidamente voltaria para a Austrália, sendo posteriormente colocado em uma lista de espera para transplantes de coração. Um doador foi descoberto em 1995, e McComb passou por uma operação bem sucedida.

Em 30 de janeiro de 1999, McComb foi hospitalizado após um acidente de carro, ele faleceu em 2 de fevereiro do mesmo ano, enquanto tentava se recuperar.

Spirit of Eden (1988) - Talk Talk

2011-12-31T03:06:00.000-08:00

Mundialmente conhecidos pelo hit It's My Life (ouça aqui) e a forçação de barra em categorizá-los como Oceanic Rock, o Talk Talk ao trilhar um novo caminho com Spirit of Eden, nunca mais conseguiu repetir o sucesso de seus trabalhos precedentes.

Se um dia foi chamado de clones do Duran Duran, seu quarto álbum avançaria na exploração de sonoridades acústicas, uma tendência que o álbum anterior - The Colour Spring - já deixava entrever. A audição nos revela basicamente uma longa suíte, na qual a intervenção do silêncio mostra-se tão fundamental quanto à dos próprios instrumentos.

Era o início de uma tendência jazzística – que os afastaria do universo pop -, texturas ambientes, sutilezas avant-garde,exploradas em uma complexidade e beleza delicada. I Believe In You um quase hit, apesar de seu formato mais pop, causa estranheza aos ouvidos que não têm paciência de prestar atenção em nada além do mainstream. Lamentável... A EMI logo findaria contrato com a banda, e só ouviríamos um novo álbum em 1991, pela Polydor, o derradeiro Laughing Stock.

Spirit of Eden, ignorado à época, hoje é considerado um percurso do pós-rock. O cantor e multi-instrumentista Mark Hollis, o baterista Lee Harris, o baixista Paul Webb e tecladista Simon Brenner eram excelentes músicos para ficarem restritos ao estilo synth pop do início de carreira.

Roberta Flack – First Take (1969)

2011-12-24T10:28:00.000-08:00

Ela é conhecida por um dos maiores sucesso dos anos 70, a canção Killing Me Softly with His Song. Embora gravada por vários artistas ao longo dos anos - inclusive o Fugees -, foi com sua interpretação comovente que a música ficaria imortalizada em 1972.

Mas Roberta Flack vinha de uma longa história. Nascida a 10 de fevereiro de 1937, em Black Mountain, Carolina do Norte, cresceu como a maioria das crianças negras de sua época: cantando em coral de igreja. Mas foi seu amor ao piano a força condutora que a levou a se dedicar profissionalmente à música.

Adolescente talentosa, Roberta Flack tomou aulas de piano clássico e canto, enquanto seu excepcional desempenho acadêmico a levou a pular várias classes, tanto que teve, eventualmente, repetir um ano para não afetar o seu desenvolvimento. Aos 15 anos, entrou para a universidade de Howard, sendo a mais jovem estudante a se matricular nela, ao mesmo tempo em que tinha sua própria banda e tocava órgão na igreja.

Roberta Flack também foi a primeira aluna negra de Chevy Chas (Maryland), uma escola apenas para brancos. Ao se formar em música, quando começava seus estudos de pós-graduação, seu pai faleceu repentinamente, de modo que ela teve que passar a dar aulas de piano e inglês para a ajuda sua família.

Durante esse período, a carreira musical de Roberta Flack ganhou forma. Ela passa a acompanhar os cantores de ópera em um Clube de Washington, cantando o Blues durante os interlúdios. Em seguida, é notada pelo proprietário do clube 1520, onde começou a trabalhar duas noites por semana. Sua voz e sua abordagem única para clássicos modernistas lhe rendeu um público excepcional, entre os quais muitas vezes havia grandes nomes como Burt Bacharach , Woody Allen e Bill Cosby; convidava-os regularmente a compartilharem o palco com ela. No verão de 1968, Roberta fez teste para a gravadora Atlantic Records, famosa pelos seus artistas de soul e jazz (que incluía uma quantidade de artistas do porte de Ray Charles).

First Take, seu primeiro álbum, ainda não incluía Killing Me Softly With His Song, mas trazia canções envolventes, interpretações comoventes e seu primeiro sucesso The First Time Ever I Saw Your Face, composta por Ewan McColl – canção que se vingaria apenas em 1971 quando entrou para trilha sonora do filme Play Misty For Me, de Clint Eastwood.

Canções guiadas pelo seu piano e voz, que durante anos foi se aperfeiçoando nos clubes de Washington (onde foi descoberta), carregadas blues, soul e jazz fizeram com que músicas tradicionais como I Told Jesus cortasse nossos corações. Angelitos Negros e Our Ages or Our Hearts só um coração de pedra as deixariam passar despercebidas, enquanto Hey, That's No Way to Say Goodbye, consegue superar a própria versão origina de, Leonard Cohen. Para finalizar o álbum, não poderia ser de forma menos pungente, a linda Ballad of the Sad Young Men. A redenção está completa.

Tudo isso permeado com os arranjos singelos de cordas de William Fischer, dando ao álbum uma sensação majestosa de melancolia. Flack é acompanhada também pelo baixista Ron Carter , o baterista Ray Lucas, e o guitarrista John Pizzarelli.

John Coltrane – Ascension (1965)

2011-12-22T04:31:00.000-08:00

Esqueça aqueles seus discos revolucionários de rock experimental, os quais buscavam ir além da música por meio da cacofonia e livre improvisação – nas intervenções de saxophone (tocado por Steve Mckay) de forma ensandecida do segundo disco do The Stooges, Full House; White Light/White Heat do Velve Underground, principalmente na zoeira cacofônica da faixa Sister Ray; nas experimentações sonoras do Sonic Youth ou os japoneses malucos e suas enormes jams do coletivo Acid Mothers Temple e o movimento No Wave de Lydia Lunch – esqueça todos eles.

Tudo não passava de apenas um exercício de algo que já foi feito no final de 1965 e por um sujeito que nem era “rebelde do rock” e sim do jazz – ou seria antijazz? Refiro-me ao músico John Coltrane, que foi muito mais “rock´n´roll” do que qualquer outro desse meio. E pior: arriscou sua carreira que entrava no auge com o elogiadíssimo "A Love Supreme".

Os críticos suavam a camisa esforçando para classificar aquela “coisa nova” (New Thing), termo que começavam a ser usado para descrever o novo som de Coltrane e sua trupe – três tenores (Trane, Pharoah Sanders, Archie Shepp), dois altos (Marion Brown, John Tchiacai), dois trompetes (Freddie Hubbard, Dewey Johnson), dois contrabaixistas (Art Davis, Jimmy Garrison) e dois bateristas (J. C. Moses e Rashied Ali).

"Ascension" lançado nas últimas semanas de 1965 e consiste de todo mundo solando seus instrumentos por mais de quarenta minutos! (depois vem a parte II com 38 minutos.) Não houve muita explicação por parte de Trane (John Coltrane) durante as sessões de gravação o que os músicos deveriam toca; obtiveram apenas algumas orientações.

Se em "A Love Supreme", sem dúvida a obra-prima, Coltrane compôs uma oração aos Senhor, uma tentativa de elevar a Alma ao Divino, em "Ascension" simplesmente tentava derrubar o céu trazendo-o para baixo.

Antes de "Ascension", Trane já vinha experimentando novos sons. O crítico, e fã, Dave Liebman conta sobre um show no Philharmonic Hall no qual participaria vários músicos. Coltrane fecharia a noite:

“Coltrane entrou no palco segurando a mão de Alice (sua esposa) e acompanhado com quase dez caras que pareciam ter sido achados na rua, segurando sacolas de compras com sinos, chocalhos e pandeiros. (...) Coltrane vai ao microfone e começa a entoar “Om Mani Padme Om” que era um canto tibetano dos mortos.

Alice começa a fazer um tremolo e o grupo balança os pandeiros e tudo mais, e as pessoas começam a se entreolhar achando aquilo esquisito. Então ele entra em My Favorite Things. Toca a melodia por cima desse rubato retumbante e as pessoas aplaudem. Mas, é claro, depois da melodia não houve mais nada reconhecível e isso durou uma hora e quinze, ou pelo menos pareceu (na verdade, foram 25 minutos). Não estou exagerando: pelo menos metade do público se levantou e foi embora.”

Sei de outra ocasião que Trane subiu ao palco até com um tocador de gaita de fole. E no ano seguinte (1967), ele planejava ir a Los Angeles ter aulas com Ravi Shankar, seu grande ídolo.

Só Deus mesmo saberia no que isso iria dar... a humanidade ainda não estava preparada e, portanto, Ele levou John Coltrane para o outro lado, para um Amor Supremo. Era 17 de julho de 1967.

Debut de algumas bandas indie em 2011

2011-12-17T06:18:00.000-08:00

The Sea Lions - Everything You Always to Know bout Sea Lions Butt Were Afraid to Ask (2011)

Esta banda está na ativa desde 2007. O que era um projeto do canadense Adrian Pillado tornou-se um sexteto e uma banda de verdade. Havia lançado umas demos com som bem ruim e um EP oficial em 2009 intitulado Let's Groove. Graças às performances ao vivo, como no Popfest, a banda fez seu nome na cena indie da Califórnia.

Este álbum de nome longo é o primeiro disco completo. Ai você pensa: isto parece àquelas bandas de meados dos anos 80, tipo Regressive Rock, Class 86 ou Anorak Rock – como the Bodiness, The Pastels – e, claro, as bandas da gravadora Sarah Records.

Nota-se também influência de surf music, o que acaba sendo um bom álbum para se ouvir na praia nesse verão.

Seapony - Go With Me (2011)

Também com álbum de estreia, o Seapony é de Seattle e gravam pela Sub Pop. O trio nevaga pelo Dream pop, meio surf music, lembrando Dum Dum Girls e Best Coast. São 12 faixas que não chega há ultrapassar 36 minutos.

Go With Me é uma coleção de canções simples e agradáveis – daquelas que nos primeiros segundos você já está acompanhado-as com os pés.

A banda é formada por Danny Rowland (principal compositor da banda) e sua namorada (ainda acho que é) Jen & Weidl nos vocais e conta com o baixista Ian Brewer, um amigo de infância de Rowland.

Still Corners - Creatures Of An Hour (2011)

Full-length do Still Corners. O album nos remete ao shogaze do My Blood Valentine, só que menos ácido e próximo do twee pop. Liderados pela cantora Tessa Murray, a música também tende a nuances etéreos, psicodélicos, e cantado de forma sussurrada. Sombrio.

A banda é britânica e conta-se a lenda que foi formada em uma estação de ônibus, quando o músico Greg Hughes convidou a cantora Tessa Murray para um projeto musical.

A fonte de inspiração vem de sons cinematográficos europeus, principalmente temas compostos por Ennio Morricone. É outra banda do selo Sub Pop.

Dorothy Ashby - The Rubaiyat of Dorothy Ashby (1969)

2011-12-11T13:39:00.000-08:00

O Rubaiyat de Dorothy Ashby é seu disco mais espiritual, muito devido ao efeito da ainda recente morte de John Coltrane, em 1967 - o mais místico dos músicos de jazz. Ele que havia aberto caminho para um jazz mais espiritual, tendo sua influência reforçada ainda mais a espiritualidade em Pharoah Sanders e Alice Coltrane, já existente.

Rubaiyat dava sequência à parceria entre Ashby e Richard Evans (Afro-Harping, de 1968). A riqueza instrumento é maravilhosa, com Stu Katz tocando kalimba e vibes, Fred Katz kalmba, Cash McCall guitarra, Cliff Davis saxofone e Lenny Druss flauta oboé, baixo e piccolo. Ashby, por sua vez, aparece com sua harpa, o koto (instrumento japonês) e sua bela voz.

O álbum é conduzido por um ritmo hipnótico, exótico, ao mesmo tempo suave. Nele, encontramos soul, jazz, rock, bossa-nova, funk e um groove que nos remete ainda ao inexistente hip hop. Os arranjos de cordas a cargo de Evans, além de embelezar as canções, ajuda a criar um clima oriental e místico. Interessante, é que todos esses ritmos aparecem, às vezes, em uma mesma música. Clássico!

Dorothy Ashby foi uma artista singular. Nasceu na cidade de Detroit, em 1932, e bem jovem demonstrou talento para o piano. No entanto, estava em busca de um som diferente, e se empenhou a encontrá-lo um pouco mais tarde quando se decidiu a abandonar as teclas e enamorar-se da harpa.

Não há muitos exemplos de destaque de mulheres harpistas voltadas ao jazz - excetuando Adele Girard -, Ashby dedicou sua vida para preencher esse buraco com determinação e talento. Ainda mais, porque o início dos anos cinqüenta, com o advento da estética do bebop, acrescentou-se mais um desafio às mulheres. Decidida, ao lado de seus mais conhecidos e celebrados companheiros do sexo masculino, que arrasavam com saxofones, trompetes e pianos, ela impôs sua harpa – apesar da resistência de seus companheiros do Trio Ashby.

Ao lado de Alice Coltrane, Ashby é a maior harpista negra do jazz, levando seu instrumento a ir além do jazz, unindo-se também ao R&B, o soul e a música oriental – a utilização do koto, um instrumento japonês, o que pode ouvir neste Rubaiyat e no qual utiliza-se de guitarra, aproximando-a muito do jazz-rock (fusion).

Dorothy Ashby no Brasil é praticamente uma desconhecida. Mesmo tendo colaborado com artistas famosos como Louis Armstrong, Diana Ross, Dionne Warwick, Earth, Wind & Fire e Stevie Wonder. Além de ter música sampleada por artistas de hip hop – Ugly Duckling, Murs e Pete Rock.

Dorhty também se dedicou ao teatro, escrevendo todas as letras e fazendo todos os arranjos das canções nas peças que produzia junto ao marido. Sua harpa é destaque na canção "Come Live With Me", que está na trilha sonora para o filme de 1967, “O Vale das Bonecas”.

Ashby morreu de câncer a 13 de abril de 1986, em Santa Monica, California , 53 anos.

The Yardbirds – Five Live Yardbirds (1964)

2011-12-06T04:48:00.000-08:00

Esta é a estréia da longa carreira de Eric Clapton, quando se iniciava ao lado do Yardbirds em um disco de blues-rock – logo sairia da banda devido a eles optarem por um direcionamento mais pop e, em seguida, uma linha mais psicodélica e hard rock, no caso, quando Jimmy Page tomou as rédeas do grupo.

Eric Clapton não duraria no Yardbirds, insatisfeito com o single For You Love, uma canção pop a qual ele mal contribui - se dizia um “purista do blues” - e foi tocar com John Mayall & the Bluesbreakers, uma banda que para ele defendia o blues.

Futuramente Eric reconheceria que era bastante radical em seu purismo blueseiro e o que ele um dia condenou e o fez sair do Yardbirds (o single pop de For Your Love), ele faria, principalmente em sua carreira solo, músicas bem mais pop; sua curta parceria com Phil Collins é uma prova disso.

Five Live Yardbirds é um álbum ao vivo e foi ficando popular de acordo em que a fama de Eric Clapton aumentava. Gravado no Marquee Club de Londres e produzido por Giorgio Gomelsky, sujeito que queria empresariar os Rolling Stones, mas perdeu para Andrew Loog Oldham, não perdeu a chance com os sucessores deles no Crawdaddy Club, de sua propriedade.

A banda em sua estréia interpretava canções de R&B e Blues. Eric já tinha ganhado o apelido de Showhand, dado por Gomelsky. O grupo serviu de modelo pra muitas outras de blues elétrico que viriam em seguida.

The Beau Brummels – Triangle (1967)

2011-12-04T12:40:00.000-08:00

Eles ficaram famosos com o sucesso Laugh Laugh, de 1963, o que os levou até a aparecer em um episódio dos Flinstones. The Beau Brummels era de São Francisco e já fazia sucesso em uma época anterior ao movimento hippie com toda aquela conversa de flower-power. O visual, portanto, era de bons moços, bem ao estilo “Beatles 65” – o nome Brummels Beau veio de um termo usado para descrever um almofadinha. E 1965 era o ano da estreia em vinil dos rapazes, Introducing The Beau Brummels, no qual trazia além de Laugh Laugh, o hit Just a Little.

Apesar de ser norte-americanos, a música defendida pelo grupo estava mais em sintonia com os grupos britânicos como The Beatles e The Zombies, embora houvesse uma crescente veia country, que fez do último álbum, Barn Bradley (68), quase um tributo ao estilo.

A banda era centrada nos músicos Sal Valentino e Ron Elliott, sendo que este último era o principal compositor. Triangle, o terceiro álbum, foi produzido quando Elliott se descobriu diabético e a banda resolveu parar de excursionar, passando assim, a concentrar nos estúdios. Procedimento que fez com que Triangle fosse álbum mais rico, cheio de sutilezas pop.

A variedade de estilos - folk, psicodelia, country, pop – chega a um equilíbrio quase perfeito. A pesar das críticas positivas do álbum, Triangle foi ignorado e esquecido rapidamente. No entanto, a banda se manteve viva ganhando popularidade ao longo dos anos, fazendo com que um novo público se deslumbrar com as composições excelentes e pessoais de Ron Elliot e a voz rica e expressiva de Sal Valentino.

Matthew Fisher - Journey's End (1973)

2011-11-30T15:10:00.000-08:00

Quando me deparei com este álbum pela primeira vez, pensei: mas quem é esse Matthew Fisher? (embora o nome não me fosse estranho...). Ao ouvi-lo reconheci aquele som de órgão de igreja. É o carinha que tocava no Procol Harum! E um dos autores do clássico mundial A Whiter Shade of Pale ao lado de Gary Brooker e Keith Reid. Respeito.

Mas Matthew Fisher só foi reconhecido como coautor da canção na justiça, em 2009. Ele passou a ter 40% dos direitos sobre a música, claro, ele não é bobo – é uma das mais regravadas de todos os tempos. Não sei como ficou o clima entre os velhos amigos. Fisher que havia saído da banda depois do excelente Salty Dog (1969) voltaria a gravar com eles somente em 1991, e os deixaria novamente em 2004. Até onde sei, foi em 2005 que Fisher entrou com o processo, reivindicando os direitos sobre A Whiter Shade of Pale.

Fisher que produzia os discos da sua ex-banda, também foi produtor de outro ex-Procol Harum, Robin Trower, produzindo seus dois melhores álbuns Bridge of Sighs (1974) e For Earth Below (1975).

O disco é legal? Muito. Há momentos bem Procol Harum – principalmente quando o órgão está em destaque -; bons exemplos disso são Interlude e Separation. Enquanto nas baladas ao piano, parece que desce um Elton John no sujeito.

É um álbum bem ao gosto da época, a primeira metade dos anos 1970, quando os grandes astros da música se acomodavam em arranjos grandiloqüentes. Logo o punk daria um jeito nisso.

A carreira de Judy Dyble, a primeira vocalista do Fairport Convention

2011-11-23T13:39:00.000-08:00

Sempre achei a cantora Judy Dyble sem sorte. Ela não parava em banda nenhuma e quando tudo parecia que iria para frente, a coisa desandava.

Para começar: ela foi a primeira vocalista do Fairport Convention – sim é aquela banda de folk rock a qual os integrantes do Led Zeppelin a reverenciavam-na. Depois de gravar um único álbum com eles, ela foi substituída por Sandy Denny; uma excelente cantora e uma incrível voz, o que fez com que a imprensa e os fãs esquecessem logo da Judy Byble.

Antes disso, a moça, que pensou seriamente em ser bibliotecária, tocou na banda The Folkmen. Chegaram a gravar algumas demos e ficou por isso mesmo; época também que se enturmou com a cena folk inglesa e logo, em 1967, já estava integrada ao Fairport Convention.

Ela teve que escolher entre a Biblioteca (onde já trabalhava) e a banda. O azar: é que não durou nada no grupo – até onde sei, ela foi dispensada porque queriam uma cantora que enquadrasse melhor ao som folk-rock-psicodélico, e a voz de Judy era muito branda para a empreitada. Mas também não pode descartar o fracasso comercial do début. Logo, o Fairport Convention estouraria com o álbum “Unhalfbricking”.

Judy iria para o Giles, Giles and Fripp onde não permaneceria mais do que um mês. Ela namorava Ian Mcdonald e quando o relacionamento acabou, saiu do grupo. Mais tarde o trio remanescente transformaria no King Crimson, um dos pilares do Rock progressivo. Ou seja, se ela estivesse permanecido na banda ficaria mundialmente famosa.

Mais tarde faria parte do duo Trader Horne com Jackie McAuley, (que tocaria bateria no grupo de Van Morrison) lançando um único álbum, “Morning Way” (1970) e dois singles. Depois dessa experiência ela deixaria o mundo da música em 1973 e só voltaria a gravar em 2004.

É no novo século que ela se dedica a lançar álbuns solos (por que demorou tanto?) – “Enchanted Garden” (2004), “Spindle” (2006), “The Whorl” (2006) – sem chamar muita atenção. Embora o último trabalho “Talking with Strangers” (2009) ela recebe muitos elogios da crítica e nele contém participação de velhos amigos como Ian McDonald, Simon Nicol e Robert Fripp.

Judy Dyble nunca desistiu da música, apesar de todos os percalços de sua longa caminhada. “Talking with Strangers” é um belíssimo álbum, tornando seu maior sucesso e merecido. A versão para “C'est la vie" do Emerson Lake And Palmer é respeitável e o grande final com Harpsong, e seus quase 20 minutos é sublime.

Serge Gainsbourg – Percussions (1964)

2011-11-18T03:39:00.000-08:00

O mundo é meio injusto mesmo. Lembro quando Paul Simon apareceu com o álbum Graceland (1986), as pessoas ficaram maravilhadas com a participação de músicos africanos e suas percussões exóticas – alguns desavisados acharam super original. Mas Serge Gainsbourg em 1964 já havia feito um álbum, como já diz o título “Percussions”, repleto de tambores africanos combinando com seu estilo jazzístico da primeira fase de sua carreira.

Pois é, estamos falando de 1964, e Fela Kuti, o músico nigeriano – o cara que uniu o jazz a música africana -, nem sonhava em gravar seu primeiro álbum; devia estar batendo tambor lá na sua terra. E o termo afrobeat só seria criado na década de 1970.

Tudo isso é para dizer que Serge já estava à frente de sua época. “Percussions” é o sexto álbum do sedutor francês e o que ouvimos é: percussão, coral, percussão, às vezes violão, percussão, às vezes um pouco de baixo, percussão, saxofone, e percussão.

Pelo que sei, Gainsbourg colocou doze cantores no álbum e quatro percussionistas e nos leva a uma viagem percussiva não só pela África Negra, mas para várias partes do mundo – World Music ainda não existe.

“Joanna”, a primeira faixa, nos leva para a atmosfera dos bares enfumaçados de New Orleans, “Coco & Co”, que fecha o álbum, traz ambiente de clube de jazz de alto nível, enquanto “Sambassadeur” é o carnaval do Rio de Janeiro. Falando em Brasil, “Ces Petits Riens” é quase uma Bossa Nova. Poucos momentos lembram as baladas jazzy com orquestrações tradicionais dos álbuns anteriores, é o caso de “Machins choses”.

É claro que neste trabalho, Gainsbourg foi influenciado pelo LP “Drums of Passion” (1959) do nigeriano Babatunde Olatunji, chegando a “roubar” a melodia de “Akiwowo (Chant To The Trainman)”, transformando-a em “New York – U.S.A.”. Mas mesmo pegando algumas coisas emprestadas aqui e acolá, é tudo mesclado aos elementos da chanson francesa, o que dá um sabor único às canções.

Joan Baez - Any Day Now (1968)

2011-11-15T12:16:00.000-08:00

Era apenas uma moça e um violão, algo que nos dias de hoje é bastante banal. Mas naquela época na qual Joan Baez surgiu fazia uma enorme diferença. Foi no festival folk de Newport que aos 19 anos, ela chamou a atenção com seu folk tocado com simplicidade e voz calorosa – o que nos sempre deu a sensação dela estar sempre cantando bem perto de nós.

Seu pai, nascido em Puebla, México, foi coinventor do microscópio de raios-X e autor de um livro de física comumente usado nos Estados Unidos. Sua mãe era escocesa e pertencera a Igreja Episcopal da Escócia. Depois do casamento, eles foram viver na Califórnia e se converteram ao quakerismo. Joan Baez é a terceira filha do casal e nasceu em Nova York, a 9 de janeiro de 1941.

Ela sempre cantou músicas de protestos, mesmo antes de conhecer Bob Dylan. Seus primeiros trabalhos eram poucos autorais, cantando basicamente músicas tradicionais. Em 1963, enfim, ela conheceu Bob Dylan, época em que ela ficou conhecida como a Rainha do Folk. Os dois chegaram a ter um curto romance, vivendo juntos entre 1963 a 1965.

Em 1968, ela lançava Any Day Now, só com composições de Bob Dylan. Para quem nunca curtiu as canções de Dylan, por causa de sua voz fanhosa, este álbum é uma boa pedida. Any Day Now também foi o primeiro LP duplo de covers de Bob Dylan. Algunas canções chegam a superar as originais, como é o caso de Dear Landlord, One Too many Mornings e Sad Eyed Lady of the Lowlands.

Bob Dylan é o artista mais regravado até hoje. Desde seu surgimento músicos dos mais variados estilos o regravam, mas ninguém superou Joan Baez, principalmente em Any Day Now. Sua interpretação em Sad Eyed Lady of the Lowlands é comovente.

Siouxsie & the Banshees

2011-11-09T09:53:00.000-08:00

Uma banda que surgiu em meio à cena punk (mas não eram punks) estava dentro daquilo que se categorizou de pós-punk, a Siouxsie & the Banshees praticava este estilo com um viés mais gótico – as más línguas diziam que o fulminante Bauhaus os copiou.

No começou era Steven Severin e Susan Ballion (Siouxsie); faziam parte da turma que acompanhava o Sex Pistols, o exótico The Bromley Contingent. Mas pelo menos, esses dois seguidores cansaram da tietagem e resolveram montar sua própria banda - A idéia inicial era tocar a mesma música o tempo suficiente para serem expulsos do palco pela platéia.

Estamos falando do final de 1976, época em que Severin e Susan mais um tal de John Simon Ritchie, na bateria, que logo adotaria o nome de Sid Vicious e Marco Pirroni (futuro Adam & the Ants) começaram a tocar juntos. Abriam para o Sex Pistols no lendário festival punk no 100 Club´s, em Londres. Tocaram um set de 20 minutos interpretando a “canção” The Lords Prayer.

A formação não durou, Vicious foi para o Sex Pistols e passaram a levar a coisa de forma mais profissional com Kenny Morris, bateria e John McKay, guitarra. Assinam com a Polydor em 1978, lançando o álbum The Scream e, no ano seguinte, Join Hands. Uma sonoridade difícil de descrever, até mesmo hoje - Pop? Rock?

Em 1979 entra o baterista Budgie, após a saída de Kenny Morris e John McKay. Começa um rodízio de guitarristas que duraria até o fim da carreira da banda. Um dos que passo pela banda era bem famoso: Robert Smith, do The Cure, que tocou nos álbuns Juju (81), Hyaena (1984) e o ao vivo Nocturne (1983). Era o auge da banda e também do início dos lançamentos de seus álbuns no Brasil em vinil: “Hyaena, Tinderbox (1986) e, para recuperar o atraso, a coletânea de singles “Once Upon a Time”.

A fase pós-punk começa a ser distanciada com o álbum Peepshow (1988), um dos melhores da banda, no qual trazia o hit “Peek-A-Boo”. Os trabalhos subseqüentes confirmariam uma abordagem mais acessível e comercial com Superstition (1991) e The Rapture (1995), mas a Siouxsie and the Banshess não sobreviveria ao novo Século, o que fez Siouxsie e Budgie a retomarem o projeto The Creatures.

Hoje, The Siouxsie and the Banshess exerce pouca influência nos artistas atuais. Em outras palavras: ficaram meio esquecidos. Podemos citar Garbage, PJ Harvey, TV on the Radio, Jane's Addiction, bandas que já declararam a influência sob suas músicas, mas ainda é pouco se considerarmos a quantidade de artistas que temos atualmente.

Um fato curioso foi quando Bono e The Edge citaram a banda como uma de suas maiores influências.

Relembrando Françoise Hardy

2011-11-06T12:27:00.000-08:00

Françoise Hardy foi a grande divã do pop francês a partir dos anos 1960 e uma das primeiras cantoras pop de qualquer país a compor boa parte de seu repertório. Suas canções tocaram muito no rádio e influenciou muita gente boa: Marianne Faithful, Blur, Mutantes, Air e tantos outros.

De belo rosto, voz suave, delicadas interpretações e composições com inclinação sentimental e melancólica, Françoise Hardy, a menina tímida que vivia isolada com a mãe e sua irmã Michele, de 18 meses mais jovem, em um apartamento parisiense e como boa parte de sua geração canalizou todas suas emoções para a música.

Seu pai, gerente de uma fábrica de máquinas de calcular, casou com outra mulher e suas filhas mal o via - ele passava por lá três vezes por ano para vê-las e raramente pagava pensão alimentícia. Sua mãe teve que criá-las com seu salário de contadora.

A jovem Françoise passava horas ouvindo canções francesas no rádio sendo influenciada também pelo rock´n´roll, surf, jazz e folk. Mas foi quando ganhou seu primeiro violão que tudo mudou para ela. Seus pais não gostavam que Françoise passasse a maior parte do seu tempo livre compondo e cantando, cada vez mais, e negligenciando seus estudos. Assim, Hardy, uma estudante aplicada, decidiu estudar ciência política na universidade de Sorbonne, logo trocaria para Literatura.

No início dos anos 60, começou a atuar em vários clubes de Paris. Sua música autoral e sentimental chamou a atenção da Vogue Records na qual registrou seu primeiro single “Tous les garçons et les filles”, canção dela e Roger Samyn, que se tornou um de seus maiores sucessos; ela tinha apenas 18 anos! No mesmo ano, 1962, sairia seu primeiro LP de mesmo nome. A partir daí ela se tornou uma das maiores artistas do pop francês.

Françoise Hardy lançaria vários álbuns de sucesso até em 1974, entre eles destaca-se “Ma Jeneusse fout le camp” (1967), “Comment te dire adieu” (1968), La Question” (1971) e “Message Personnel” (1973). Ela dizia admiradora do produtor Phil Spector. Sua música e beleza atraiu gente como Bob Dylan, Mick Jagger e George Harrison, o que a fez regularmente gravar também em inglês, em vez do italiano (ela fazia muito sucesso na Itália) ou alemão (idioma o qual ela dominava).

Em meados dos anos 70, cansou de ser ícone da música e da moda, passa a se dedicar à astrologia, e até hoje lança discos raramente. Mas sua contribuição musical deixada nos anos 1960 já foi o suficiente para entrar para história não só da música francesa como da música universal.

The Smiths - Strangeways, Here We Come (1987)

2011-11-02T06:21:00.000-07:00

O último álbum do Smiths não ficou tão famoso quanto os anteriores, mas não fica atrás em qualidade musical – até se superaram em experimentações sonoras, buscando fugir um pouco do convencional baixo, bateria, guitarra e eventuais teclados. Johnny Marr chegou a dizer que queria afastar do estilo “jingle jangle” do som anterior e buscou – pasme – referências no “White Album” dos Beatles!

Enquanto Marr passou também a escrever arranjos requintados para cordas e saxofone, Morrissey imprimiu uma dramatização inédita em suas interpretações, chegando a rasgar a voz em "A Rush and a Push and the Land is Ours". Outra surpresa está nas sutis incursões pelos caminhos do rock psicodélico em "Death of a Disco Dancer". É o único álbum dos Smiths no qual Morrissey toca um instrumento (piano). Segundo Johnny Marr, ele apenas ficou batendo nas teclas.

O nome do álbum se refere a uma conhecida prisão em Manchester. Marr queria expandir a banda, levando-a a outro nível musical e se possível a um sucesso global, o que Morrissey se opôs. Além de entrar constantemente em atrito com o novo empresário, Ken Friedman, o qual Marr apostava suas fichas.

“Strangeways, Here We Come” sairia pela EMI (eles tinham acabado de assinar com essa gravadora), mas ainda deviam um álbum para a independente Rough Trade. Embora não muito popular, Strangeways.... é considerado por muitos o melhor trabalho da banda e só não foi mais inovador por causa da tensão entre Marr e Morrissey, sendo que este último barrava as idéias de Marr.

Gênio incompreendido - Richard Ashcroft

2011-10-27T03:03:00.000-07:00

Richard Ashcroft está de volta - ele que foi o grande vocalista da banda The Verve. Sua carreira solo é magnífica, embora não faça muito sucesso, mesmo quando voltou com sua ex-banda em 2008, a repercussão estrondosa de Urban Hymns (1997) não se repetiu. Não é difícil de entender, afinal, muito da fama deste álbum veio de “Bittersweet Symphony” que tornou um mega-hit e conquistou a massa pop. É aí que está todo o problema: a massa pop! Ela só se interessa por mega-hits.

O primeiro trabalho solo, “Alone With Everybody” até chegou a chamar a atenção da mídia e obteve um hit: “A Song for the Lovers” uma canção inspirada no Joy Division, cujo título Ashcroft confessou que roubou de um poema de Charles Bukowski. Seguiram-se mais alguns álbuns (maravilhosos por sinal), mas sua música se tornou muito adulta para o público jovem, que até então o idolatrava e o via como um provável porta-voz de uma geração. "Eu não estou interessado em ser um pregador, eu não quero prêmios, eu não quero multidões me seguindo, eu só quero continuar fazendo minhas canções.", declarou Ashcroft em certa altura de sua carreira solo.

Fã do cantor Gene Clark (tocou no The Byrds), Sly and the Family Stone e uma veneração por John Lennon, que nunca escondeu. Richard sempre encarnou o gênio incompreendido. Filho primogênito, seguido por duas irmãs, Victoria e Laura, durante seus primeiros dez anos de vida passou por constantes visitas ao médico, com uma variedade de doenças devido ao seu corpo magro. Na idade de onze anos, perdeu o pai – este acontecimento teve um enorme efeito em sua formação, que o fez desenvolver uma personalidade mais séria em relação à sua idade.
Em entrevistas sobre sua infância, comentou certa vez: “as outras crianças brincavam com figuras de ação quando eu só questionava a vida e a sociedade.” Seu desinteresse geral pela escola o fez um estudante impopular e indesejado pelos professores. Mas encontrou uma fuga no esporte. Na idade de treze anos foi um dos melhores no time de futebol da escola - pensou seriamente em ser jogador profissional -, mas logo encontrou outra paixão: a música. Em uma entrevista ele disse “sempre foi uma pessoa deprimida, e que a música o ajudou a superar esse problema.”

Richard Ashcroft junto a alguns amigos montou o Verve (só anos mais tarde mudou para The Verve) em 1989 e com a banda, veio as drogas. Ainda no início da carreira, quando promoviam o álbum “A Storm in Heaven” (1993), ele já passava por sérios problemas com drogas, chegando a sofrer desidratação severa devido ao abuso delas antes de um show.
Apesar da banda sempre dizerem que estava encerrando as atividades sempre voltavam. E numa dessas voltas foi lançado Urban Hymns (1997), sem dúvida uma obra-prima irretocável. Assim o The Verve entrou para história do rock.

Mesmo satisfeito em estar em carreira solo, Richard sempre sentiu falta de estar numa banda e, portanto, em 2010 resolveu montar uma chamada RPA& The United Nations of Sound, mas ele é o líder e autor de todas as composições. No entanto, recebeu ajuda, queria modernizar sua música e chamou convidou para produzir o álbum No ID, produtor norte-americano de hip hop e sujeito famoso por produzir o rapper Jay-Z. Mas por que um produtor de hip hop? Richard sempre disse que a música “Bitter Sweet Symphony” teve inspiração nesse estilo.
Na cola, veio o lendário Benjamin Wright para contribuir com arranjos de cordas. Wright já trabalhou com uma variedade de artistas que vão de Aretha Franklin a Outkast e foi responsável pelos arranjos em “Thriller” de Michael Jackson.

Portanto, RPA& The United Nations of Sound, soa moderno, eclético, ao mesmo tempo em que mantém as características principais de Richard Ashcroft. Realmente o álbum tem mais cara de banda, trazendo influência de rap (Thrid Eye), soul (Life Can Be So Beautiful) e gospel (“Glory”). Também pega emprestado riff alheio, no caso John Lee Hooker em How Deep Is Your Man e Velvet Underground, na qual você jura que é um cover the Sweet Jane até entrar a letra. E como sempre, Richard é mestre em fazer belas baladas, aqui aparece com “She Brings Me the Music”, uma em homenagem a sua esposa Kate Radley e “Good Loving”.

O álbum não tem sido muito bem sucedido, como os singles lançados, já que as críticas foram em geral negativas, embora estreou no número 20 nas paradas no Reino Unido , mas caindo na semana seguinte indo para o número 59.
Que importância isso tem? Veja os artistas que dominam as paradas de sucesso e que vendem milhões de álbuns. Tirando raras exceções, são medíocres. Mas Richard Ashcroft é um gênio, e como todo gênio é incompreendido em sua época.

RPA and the United Nations of Sound - Are You... por EMI_Music

Josh Ritter, artista ainda desconhecido do grande público no Brasil

2011-10-20T14:36:00.000-07:00

Pouco importa se a música de Josh Ritter não ficou muito popular junto à massa pop. Pouco importa se não toca nas rádios. Pouco importa, também, se ele não consta nas listas de iPods dos descolados, não é citado pelos “famosos” e não toca nas baladas mais agitadas do momento. O que importa é que sua música existe e é ótima. Talvez daqui uns 20 anos, algum arqueólogo musical o descobrirá e ele passará a ser idolatrado – nunca sabemos o que a juventude vai cultuar no futuro.

Josh Ritter moldou sua música ouvindo mestres como Bob Dylan, Leonard Cohen e Johnny Cash. Ele já tem uma pancada de discos lançados; é um cara ainda jovem – lançou seu primeiro álbum em 2000. E sabe o que é legal no seu folk-pop-indie? É que ao mesmo tempo em que sua música parece antiga, feita lá pelos idos dos anos 70, soa moderna.

Seu último trabalho se chama “So Runs The World Away”, de 2010, e recentemente o rapaz lançou um romance chamado “Bright´s Passage”. Nascido em Moscow, Idaho (EUA), quando garoto ouviu a canção “Girl Form the North Country” de Bob Dylan, do álbum Nashville Skyline e resolveu ser músico. Primeiramente tentou fazer musica em um alaúde construído pelo seu pai, mas logo comprou sua primeira guitarra. Seu primeiro trabalho autointitulado não passou desapercebido, mas após o segundo, “Golden Age of Radio” sua carreira decolou. De lá pra cá sempre recebeu grandes elogios da crítica,nem tanto do grande público. Ou seja, este cara é cult.

A Sensibilidade indie de Saharan Gazelle Boy

2011-10-19T05:41:00.000-07:00

Synthpop feito pela geração Z carregado por uma sensibilidade indie nostálgica. Assim podemos definir este projeto chamado Saharan Gazelle Boy, criado pelo músico da banda Capybara, Darin Seal. A idéia vem desde que Seal tinha 16 anos, quando imaginava em fazer canções ensolaradas e despojadas, diferentes do Capybara, que é algo mais sério.

Saharan Gazelle Boy já produziu dois EP´s: são eles Airplanes Can´t (2009) e Strange Teen Heart (2010), este último tem contribuição de sua amiga Sarah Handelman (também do Sea Change), que ajudou com a produção do álbum e fez alguns vocais e tocou teclado. Ambos saíram pela Record Machine, aliás selo que têm lançado o melhor do indie (veja aqui)

Sabe aquelas músicas que são boas de curtirem quando vai ao parque em um domingo, comer algodão doce e brincar com as crianças? Pois é. Saharan Gazelle Boy cai bem nesses momentos. Muito porque as canções carregam ares de ingenuidade, tranqüilas e melancólicas (mas não depressivas). “Song Cupid”, por exemplo poderia muito bem ter sido gravada pelo New Order. É uma faixa viciante que parece que feita em 1984, não em 2010.

Ten Years After - A Space in Time (1971)

2011-10-09T03:39:00.000-07:00

Depois de Jimi Hendrix, ninguém além de Alvin Lee, guitarrista e líder do Ten Years After chamou mais a atenção no primeiro Woodstock, em 1969. As imagens antológicas da banda tocando a versão longuíssima de “I´m Going Home” confirmam a merecida colocação de segundo melhor guitarrista do festival – quem não se lembra da cena de Lee, ao final da apresentação, carregando uma melancia nas costas? Dizem que ele a pegou na fazendo.

Se a partir dos anos 1980 apareceram guitarristas preocupados em fazer solos na velocidade da luz, temos em Alvin Lee, o primeiro a ganhar a fama de guitarrista mais rápido do mundo – sim, é dele o título de guitarrista mais veloz daquela época.

Blues, rock´n´roll, psicodelia e forte influência de jazz eram a receita dos primeiros álbuns – Ten Years After (1967), Stonehenge (1968) e Undead (1968). Trabalhos mais pesados, já afastando um pouco da influência jazzística e psicodélica, vieram com Ssssh (1969) e Cricklewood Green (1970), fazendo do Ten Years After um dos grandes nomes do blues rock.

Já longe da associação com o Woodstock e com uma sonoridade mais próximo de bandas como Free e Led Zeppelin, principalmente deste último, na qual intercalava blues pesados com baladas acústica, o Ten Years After lança em 1971 “A Space in Time” no qual traz seu maior hit “I'd Love to Change the World”. Outras canções que marcaram época foram “Over The Hill”, “Hard Monkeys” e “I´ve Been There Too”. Tudo dentro de uma produção impecável e arranjos mais bem trabalhados.

“A Space in Time” encerra o auge da banda, e lentamente o grupo vai entrando em declínio, o sucesso do álbum levou-os a longas turnês pelo EUA, que os desgastou bastante, principalmente Alvin Lee que se recusava a ser um “jukebox andante”. “Positive Vibrations”, de 1974, seria o último esforço nos anos 1970. O grupo só voltaria a se reunir no final da década de 1980, mas sem a mesma magia do passado.

Zola Jesus - Conatus (2011)

2011-10-02T17:27:00.000-07:00

“Minha música vai sempre soar Zola Jesus”

Este novo trabalho de Zola Jesus, como já era de se esperar, pelo que se ouviu em seus últimos trabalhos, soa mais acessível. No entanto as canções são puro Zola Jesus, o que significa que ela continua tendo como referência o gótico dos anos 80 (principalmente Siouxsie and the Banshees e Diamanda Galas), mas também certas tendências mais líricas dos anos 90 e synth pop sombrio.

Conatus é o terceiro álbum da cantora, sem contar os vários EP´s e singles, que segunda ela é uma celebração à dança. Antes do lançamento oficial, 04 de outubro de 2011, fomos agraciados por dois singles, “Vessel” e “Seekir”. Ambas as canções mostram que Zola Jesus está cantando bem melhor, mostrando-se bem mais segura – ainda bem que ela desistiu de fazer o álbum totalmente instrumental.

Os sons eletrônicos estão mais refinados e traz arranjos de cordas que só fez com que sua música ficasse mais rica como na maravilhosa “In Your Nature” e “Hikikomori” – sabiam que a música preferida dos Beatles para ela é “Eleanor Rigby”?. A balada ao piano “Skin”, talvez seja a mais bonita de sua carreira até o momento.

Todas as canções de Conatus foram escritas por Zola, enquanto a produção é compartilhada com Brian Foote.

Nika Roza Danilova inventou a identidade de Zola Jesus aos 15 anos, quando resolveu apagar sua identidade original, numa espécie de auto-alienação concedida. Deparou-se com um livro de Emile Zola e pensou que o nome soava bem. Por ser uma combinação incongruente com Jesus, gostou. Afinal Zola e Jesus eram revolucionários, ela costuma justificar.

Passou parte da infância em Phoenix, Arizona, e adolescência em Madison, Wisconsin, antes de se mudar para Los Angeles. Não tinha nada em comum com os adolescentes da sua idade que só ouvia música pop, muitas vezes, entendidas como “alternativas”. Sua sintonia era com seu irmão altista de quem se sentia muito próxima. Para ela, seu irmão tem uma maneira de perceber a realidade bem diferente, um mundo que pertence somente a ele. Mundo esse, que acabou se refletindo em sua música.

Nika estava destinada a seguir uma carreira de cantora de ópera. Estudou canto intensamente por dez anos - começou aos nove anos. Desistiu da ópera e resolveu fazer sua própria música. Ela sempre se sentiu distante do mito sexo, drogas e rock´n´roll. Ela acredita que as pessoas hoje estão desesperadas para se tornarem celebridades. “Elas sonham em ser ricas, mas ficam cada vez mais egoístas enquanto artistas mais criativos e autênticos são normalmente condenados ao anonimato e à marginalidade”. Dostoiévski, Gogol e Turgenev estão entre seus escritores favoritos.

Se você está cansado de cantoras pop excêntricas que não sabem mais o que fazer pra conquistar o público, Zola Jesus é uma boa pedida.

Procol Harum – Procol Harum (1967)

2011-09-25T18:30:00.000-07:00

O Procol Harum tem uma coleção de álbuns maravilhosos e lindas canções como “Homburgo”, “A Salty Dog” e “Song for A Dreamer”, mas sempre serão lembrados principalmente por terem feito uma das musicais lindas que o mundo já ouviu: “A Whiter Shade of Pale”. A canção foi lançada em 12 de maio de 1967, tendo como tema um poema surrealista escrito por Keith Red e música de Gary Brooker que se inspirou em uma peça clássica de Johnn Sebastian Bach (Aria em Sol Maior da Suite Nº 3 em Ré Maior).

“A Whiter Shade of Pale” entrou no top dez da Billboard em 15 de julho (décima posição), atingindo a quinta posição duas semanas depois, permanecendo no top 10 durante seis semanas. Somente nos EUA, o single da canção vendeu 1 milhão de álbuns e 6 milhões de cópias no mundo todo.

É considerada a música mais tocada nos últimos 75 anos em locais públicos no Reino Unido (2009). Aparece no 57º lugar na lista das 500 maiores músicas de todos os tempos da Revista Rolling Stone.

Porém, o sucesso do single “A Whiter Shade of Pale” não ajudou muito a elevar as vendas do primeiro LP autointitulado, levando-o apenas a um relativo sucesso na América e Reino Unido. O álbum é uma envolvente fusão de rock psicodélico, blues e influências clássicas com letras fantasmagóricas.

Engraçado é a origem do nome Procol Harum. De todas as fontes pesquisadas, o nome veio de um gato siamês; umas dizem que o bichano era de uma amiga (ou amigo) de Guy Stevens (empresário da banda); outras dizem que o gato era de Keith Reid (poeta que fazia as letras para o grupo). Afinal, de quem era o gato?

A formação que gravou o primeiro álbum era formada por: Gary Brooker (piano e vocal), B. J. Wilson (bateria), Robin Trower (guitarra), Matthew Fisher (órgão) e David Knights (baixo). Este time de músicos produziriam os melhores trabalhos da banda e seguiram juntos por mais três anos.

Mas não é só “A White Shade of Pale” que embeleza o primeiro disco da banda. “Conquistador” é outro hit, só que, vá entender, em 1973, que foi fazer sucesso com outra regravação. “Repent Walpurgis” é outra canção inspirada em Bach, na qual mostra todo grande desempenho dos músicos.

Enfim, o Procol Harum começou muito bem e mantiveram respeito ao longo dos anos 1970 e aos poucos foram dos estúdios e nos palcos raramente aparecem com uma formação diferente, mas sempre com Brooke, que nunca deixou a banda. Uma banda no mínimo curiosa, que inventou uma música baseada em dois teclados e um vocalista com uma voz bem ao estilo Ray Charles.

The Gathering - West Pole (2009)

2011-09-17T16:34:00.000-07:00

Quando a vocalista Anneke van Giersbergen saiu do The Gathering, a primeira coisa que veio à mente foi: agora a banda já era. Esse foi o sentimento não só meu, mas de muitos outros fãs: afinal Anneke foi a melhor vocalista e lançou os melhores álbuns junto ao grupo.

Ainda sobre o efeito do último trabalho de estúdio, Home (2007) – acreditava que era um álbum insuperável – então, fui ouvir em 2009, a estreia da nova vocalista Silje Wergeland, conhecida por tocar na banda Octavia Sperati, que não era lá grande coisa. Ok. Mas você logo pensa: o The Gathering tem o guitarrista René Rutten e seu irmão Hans Rutten na bateria, o que significa que não deixariam a peteca cair. E no mais Anneke nem foi a primeira vocalista da banda. Embora fosse ela quem trouxe novos elementos à banda, afastando da influência do até então Black/Doom Metal praticado por eles – aquelas chatices de vocais guturais – para um som mais atmosférico, progressivo e até com influência de trip hop.

Nesse espírito de desconfiança, fui ouvir West Pole, não esperando muita coisa. O álbum abre com a faixa instrumental "When Trust Becomes Sound", um misto de Sonic Youth com Mogwai num caos sonoro absurdo e meus os olhos já começam a brilhar de alegria, com o sorriso logo aparecendo. Na segunda, “Treasure”, Silje Wergeland aparece com seu vocal – tudo bem que meio imitando Anneke –, no entanto, não tem como não se render: a música é linda! “All You Are” não deixa o pique cair, The West Pole poderia estar em Home perfeitamente e "No Bird Call", com sua atmosfera melancólica, é uma das melhores do álbum.

Há participação da cantora Marcela Bovio (Stream of Passion) em "Pales Traces" e Anne van den Hoogen em "Capital of Nowhere". A guitarra de René se faz mais presente em "No One Spoke" e o álbum fecha magistralmente com “A Constant Run” e seu final maravilhoso. Disco bom é assim, ao terminar de ouvi-lo você fica sem palavras...

Black Sabbath - Technical Ecstasy (1976)

2011-09-12T06:03:00.000-07:00

Às vezes para curtir certos álbuns temos que esquecer qual é a banda e procurar analisar o trabalho em si. Este é o caso de Technical Ecstasy do Black Sabbath. Os fãs deveriam esquecer que se trata da famosa banda precursora do heavy metal e os que sempre desdenharam o estilo musical do grupo procurar ouvi-lo por outro ângulo.

Technical Ecstasy é considerado o pior trabalho do Black Sabbath com Ozzy Osbourne nos vocais. - uma ladainha que vem se repetindo desde o final dos anos setenta sem uma análise mais detalhada. Talvez porque foi quando ocorreram às gravações do álbum que as brigas internas – principalmente entre Ozzy e Iommi – se intensificaram e também o álbum não trazer nenhum grande hit ou uma faixa que marcasse época, como ocorreu nos trabalhos anteriores. Ou seja, nada de riffs antológicos nos moldes de Iron Man, War Pigs, Children of the Grave e Snowblind.

Technical Ecstasy dá sequência às experimentações progressivas que vinham desde Sabbath Bloody Sabbath, com a inclusão maior de teclados. À época tinha Rick Wakeman, desta feita Gerald Woodruffe comanda os arranjos orquestrais.
O álbum, em algumas canções, Ozzy sai das costumeiras vocalizações injuriadas e se arrisca uns vocais rasgados como na faixa de abertura Back Street Kids e Dirty Women com suas várias mudanças de andamento. Aliás, mudanças de ritmos em uma mesma canção são características que sempre estiveram presente na banda, mas em Technical Ecstasy é algo fabuloso, basta ouvir Gypsy e All Moving Partis (stand Still).

Em Rock´n Roll Doctor, o Black Sabbath se arrisca em um rock´n´roll bem ao estilo Blue Öyster Cult e dos sulistas do Black Oak Arkansas, banda com a qual vinha excursionando juntos.

A balada chorosa She´s Gone, com arranjo orquestral, causou estranheza e talvez até repulsa aos fãs mais radicais. Mas é na faixa It´s Alright que o Black Sabbath soa diferente de tudo que já fizeram até então. Com um arranjo à la Beatles, a música é cantada pelo baterista Bill Ward, que além de ser uma linda balada, Ward surpreende com uma bela voz. Iommi também não deixa por menos, e a enriquece com lindo solo de violão.

Fato interessante, é que a canção foi vista apenas como um exercício de estúdio, Ozzy não a cantou por não estar legal no dia, embora ele aprovasse o vocal de Bill Ward.

A capa foi feita pelo Hipgnosis, responsável pela maioria das capas do Pink Floyd e Led Zeppelin. Ilustração que sugere o acoplamento de dois robôs. Osbourne preferiu ser mais enfático, descrevendo-a como “dois robôs que fodem em uma escada rolante”.

Ozzy deixou a banda logo após o lançamento do álbum por um período. Voltaria para as gravações do trabalho seguinte, Never Say Die! Mas não ficou até o final. Iommi o expulsou da banda por causa de seus excessos de álcool e drogas. Ozzy também andava de saco cheio das egotrips jazzísticas de Iommi – reparem a faixa Break Out de Never Say Die! e diga se aquilo é Black Sabbath.

Quando Robert Plant tentava se adaptar aos "Anos 80"

2011-09-06T08:25:00.000-07:00

No início da década de 1980, Robert Plant embarcou em uma carreira solo a qual buscava diferenciar bastante da sua extinta banda, o Led Zeppelin. Era a busca de uma nova identidade - embora estivesse mais para a falta dela. Optando por um visual Daryl Hall & John Oates, duo que fez muito sucesso à época, o blues, o hard rock e os riffs pesados de guitarra passam longe de seus dois primeiros álbuns, Pictures at Eleven (1982) e The Principle of Moments (1983).

Em Pictures at Eleven, Plant foi assessorado por Phil Collins, Cozy Powell e a guitarra de Robbie Blunt. O que se ouve é uma musica mais tranqüila, um pop sem ser apelativo, cantado em forma suave, mesmo que ainda contenha uns blues, passa bem longe dos gritinhos orgasmáticos carregados de “baby baby baby” que tanto caracterizou o Led Zeppelin.

O segundo, trabalho The Principle of Moments ,não diferencia muito do anterior, inclusive mantém praticamente os mesmos músicos, sendo um pouco mais pop. Nele encontra-se a bela canção "Big Long" com seu belo arranjo de guitarra; a música alcançou o Top 20 nos EUA e Reino Unido. Mas a canção que chegou ao número um da Billboard foi “Other Arms”. "The Mood" é outra faixa que também se destaca.

Robert Plant, hoje, parece não gostar de comentar sobre estes dois álbuns. Lembro que, uma vez, em entrevista, chegou a dizer que não estava sendo ele mesmo: meio perdido, sem direção, tentando se adaptar aos novos rumos que a música caminha a partir de 1980. Ou seja, ele estava tentando se enquadrar à new wave e a um rock mais pop que vinha dominando as paradas de sucesso.

Os vídeos abaixo comprovam bem o dito acima:

Autumn Tears – The Hallowing (2007)

2011-09-02T04:45:00.000-07:00

The Hallowing é o último trabalho da finada banda Autumn Tears. Nele, apenas Ted Tringo permaneceu da formação original. No entanto, a maioria das composições sempre foi dele. Eles que começaram numa linha mais próxima de bandas como Dead Can Dance, Stoa, e Arcana, ou seja, um gótico mais etéreo que aos poucos foram se aproximando do neoclássico até chegar nesse The Hallowing.

O que se houve nas 10 faixas de The Hallowing é um estilo de música mais próximo da clássico e da música de câmara. Observa-se influências de mestres como Back, Brams, Hayden e Mahler. Os fãs antigos não gostaram muito desse direcionamento e muito menos por não ter mais os vocais nem de Erika Swinnich, nem de Jeniffer LeeAnna, cantoras que passaram pelo Autumn Tears. Mas não podemos negar que a voz de Laurie Ann Haus (quem se lembra dela na banda Rain Fell Within?) é excelente e combinou muito bem com o novo direcionamento musical que havia começado no trabalho anterior, Eclipse.

O interessante no Autumn Tears é saber que se trata de uma banda norte-americana, pois sua música nos remete sempre a velha Europa, tanto que eles sempre venderam muito bem por lá, muito mais do qualquer outro lugar. Como em todos seus álbuns, é difícil destacar as melhores canções, mas The Hallowing mereceu dar nome ao CD, e de cola, destaca-se também a abertura com Dies Irae com seu belo coro, o piano melancólico de Keep Me Here, a qual destaca a voz de Laurie ann Haus e The Last King Falls.
Um pouco mais sobre o Autumn Tears – A banda tem origem em dois amigos, Erika Swinnich e Ted Tringo que se conheciam desde os tempos de escola. Fãs de heavy metal e apreciadores de outras expressões musicais que valorizava os estados da Alma, se viram diante de um elaborado projeto musical.

De início, Ted pensou em convidar uma mulher pra recitar poesia sobre a música, mas depois viu que a idéia poderia ser meio chata e resolver que Erika poderia cantar. Assim, surge a saga “Love Poems for Dying Children”, uma longa história que se desenvolve em três CD´s, em act I, II e II. Segundo Erika é sobre o espírito vampiresco da natureza, mas com final feliz.

Desde 1995 a dupla vinha escrevendo as letras para no ano seguinte lançar o Act I de Love Poems for Dying Children. Após o Act II, Erika resolveu deixar a banda para se dedicar a escrever um romance. É quando entra a Jennifer Lee Anna, é quando sai o mini CD “Absolution” e logo após Erika volta à banda. Dizem as más línguas que ela ficou enciumada, pois Jennifer era muito mais profissional. Por sorte, as moças se entendem bem e passam a dividir os vocais no Act III: Winter and the Broken Angel.

Muitos consideram este o melhor trabalho devido os grandes duetos entre as duas.
Em 2001 saiu Eclipse, o último trabalho com Erika (saiu para montar a banda de heavy metal Ignitor) e o grupo acrescenta vários membros, no qual inclui a estreia de Laurie Ann Haus. É nele que a música densa e gótica deixa pouca influência na nova direção neoclassica.

Tuomas Holopainen, o gênio por trás do Nightwish

2011-08-27T07:29:00.000-07:00

Tudo começou como um projeto acústico de Tuomas em 1996, que logo viria a ser a banda de maior êxito da Finlândia, com mais de 7 milhões de cópias vendidas à nível mundial, 11 discos de ouro e 30 discos de platina.

O Nightwish influenciaria bandas de metal no mundo inteiro, inclusive várias no Brasil, aliás, país no qual a banda tem incontáveis números de fãs. Quando a soprano Tarja Turunen foi dispensada, muito foi questionado sobre o futuro da banda e se o nível elevado do Nightwish cairia. No entanto, embora as atenções estivessem na cantora, esqueceram que o gênio por trás da banda se chamava Tuomas Holopainen.

Desde cedo envolvido com música, aos sete anos já tocava clarineta e piano; até clarineta chegou a aprender, quando passou por uma banda de jazz. Tuomas também estudou teoria musical por 11 anos.

Foi depois de assistir a um show do Metallica, aos 15 anos, que decidiu abraçar o heavy metal como estilo que passaria a se dedicar. Logo se juntaria ao Dismal Silence, sua primeira banda, na qual já havia trocado o piano pelo sintetizador. Aos 19, ele tocou no grupo Darkwoods my Betrothed que conseguiu um contrato com uma gravadora. Época em que compôs sua primeira canção: A New Heaven A New Earth.

Uma bela noite em 1996 (Tuomas tinha 20 anos de idade) foi para uma ilha em Kitee com alguns amigos. Lá surge a idéia do projeto Nightwish, que logo viraria banda. Época em que Tarja Turunen, uma estudante da Sibelius Academy que Tuomas conhecia desde a idade de 13 anos (eles tocaram no mesmo grupo de ... jazz!), entraria para o projeto, ela concordou imediatamente em participar, embora ela não conhecia quase nada de heavy metal.

Desde e que gravaram o primeiro álbum, a fama do Nightwish passaria a correr o mundo e o nome de Tuomas também, o que o levaria a ser convidado para vários projetos, inclusive a compor uma trilha sonora para cinema, o filme Lieksa. É convidado para fazer parte da banda de Gothic metal finlandesa For My Pain, na qual está até hoje e várias contribuições com outras bandas e artistas.

Tuomas Holopainen é grande admirador de música erudita, cinema e literatura. É o responsável por quase todas as letras e composições do Nightwish, além de incrível letrista e poeta. Ele só não é mais reconhecido porque é apenas associado ao heavy metal, estilo em que existe ainda muito preconceito.

O último trabalho do Nighwish, Dark Passion Play, não fez feio, é de uma beleza absurda, basta ouvir a épica The Poet and the Pendulum e estamos conversados. Ainda que Tarja não esteja mais presente, a sueca Anette Olzon (ex-Alyson Avenue) se adaptou muito bem à banda.

O mundo agora aguarda o mais ambicioso projeto de Tuomas Holopainem (o Jack Sparrow do Heavy Metal!) junto ao Nightwihs, o filme e álbum Imaginarium. Apesar da demora, Dark Passion Play é de 2007, a espera parece valer à pena, pois a dedicação tanto do Tuomas quanto o restante da banda tem sido incrível, e afinal, há um gênio trabalhando: Tuomas Holopainen.

Jerry Garcia

2011-08-22T18:20:00.000-07:00

Eric Clapton além de ter ficado famoso por ser “deus” (Clapton is God) também ficou conhecido por ter a mão leve (slowhand), mas quem tinha mão leve para tocar era Jerry Garcia, seus solos tranqüilos, viajandões, seguiam uma estrutura jazzística em que você podia ouvir durante horas sem enjoar. Seus dedos deslizavam com desenvoltura pelas cordas da guitarra.

Os shows do Grateful Dead deram fama à banda pelas improvisações que chegavam às vezes durar a noite inteira, ou seja, até ao raiar da manhã. Também os improvisos nas canções não tinham fim! Para se ter uma idéia a música Dark Star chegava a ter mais de 50 minutos de duração algumas vezes. Sim, o Grateful Dead foi uma das bandas que mais fizeram shows nesse planeta, desde seu início em 1965 até a morte de Garcia, em 1995, não pararam. E, claro, com os deadheads (nome dado aos fãs mais radicais) seguindo-os para tudo que lugar.

Todo grande músico cria um estilo inconfundível de tocar, e Garcia não foge a regra. Todo fã reconhece seus solos nas primeiras notas. Nunca foi um guitarrista de tocar de forma estridente, abusando de distorções, seus solos eram tranqüilos - que refletia muito seu jeito de ser -, longos e ao vivo nunca tocava uma música da mesma forma.

Jerry Garcia quando criança teve dois terços do seu dedo direito médio amputado, quando de férias em Santa Cruz, estava com o irmão cortando lenha e não foi ágil o suficiente para tirar a mão na hora certa e o machado decepou seu dedo, ele tinha apenas quatro anos. Como aconteceu com Tony Iommi (Black Sabbath) a falta de um pedaço do dedo acabou influenciando em sua maneira de tocar.

Um ano depois da perda do seguimento de seu dedo, perde o pai afagado em um rio quando pescava. Em 1964, já tinha experimentado LSD, época também de grandes aventuras e com o coração dividido entre a música e as artes (desenho e pintura). Mas foi depois de um acidente de automóvel no qual o jogou para fora da janela, que o fez refletir sobre sua vida e resolveu dedicar integralmente a música.

Sua banda do coração sempre foi o Grateful Dead, mas manteve vários projetos e colaborou com vários artistas ao longo de sua carreira - Jefferson Airplane, Warren Zevon, Country Joe McDonald ,Tom Fogerty, Crosby, Stills, Nash and Young, David Bromberg, Robert Hunter e tantos outros, são alguns que foram agraciados com sua presença.

Nos últimos anos de vida foi ganhando uma aparência de Papai Noel hippie e mantendo seu visual de pessoa simples, calça jeans surrada, camiseta, ou seja, anti-rock star. Reconhecido pela revista Rolling Stones como um dos maiores guitarristas do mundo (13º numa lista de 100), embora acho que ele merecia posição melhor.
Jerry Garcia faleceu devido a um ataque cardíaco em 1995, aos 53 anos, em uma clinica de desintoxicação em Forest Knolls.

Ten Songs by Tucker Zimmerman (1969) - Tucker Zimmerman

2011-08-14T16:38:00.000-07:00

O cantor Tucker Zimmerman veio ao mundo no mesmo dia que eu (14 de fevereiro), portanto, um aquariano. Nascido em San Francisco, Califórnia, estudou violino (feito pelo avô) entre a idade de 4 a 7 anos. Logo mudaria para Healdsburg (uma cidade rural no norte da Califórnia), onde permaneceu até os 17 anos.

Seu aprendizado de música estendeu ao domínio do piano e trombone. Em sua primeira banda de rock tocava piano, sax, baixo e bateria. Quando voltou a sua cidade natal, em 1958, estudou música por mais dois anos e foi tocar trombone em grupos de jazz.
Em 1966 já tinha mestrado em Teoria e Composição, tendo também aulas particulares de composição com Henry Onderdonk até que começa a escrever suas próprias canções usando gaita e violão. Entre 1965 e 1966 chegou a escrever mais de 800 músicas.

Seu estudo de música vai até 1968 quando já tinha estudado composição em Roma, pois havia ganhado uma bolsa para estudar na Santa Cecília Academy. Ao deixar o mundo acadêmico, mudou-se para Inglaterra, vivendo primeiro em Londres e depois em Oxford, fazendo shows com nomes falsos, se passando por um canadense, já que não foi lhe concedida uma autorização de trabalho.

Em 1969 gravou seu primeiro álbum produzido por Tony Visconti (que ficaria famoso produzindo T. Rex e David Bowie) para a Regal Zonophone Records. Tucker Zimmerman: "Embora morando na Inglaterra, escrevi 150 canções, mas eu não consegui um único artista em Londres para cantar uma” . O álbum uma mistura de folk, rock e blues não fez sucesso nenhum e também a gravadora não fez questão de promover o álbum.

Zimmerman soube mais tarde que a gravadora assinou com ele apenas para mantê-lo na geladeira por três anos. Eles não queriam que ele atrapalhasse um outro cantor folk (britânico) que estava começando a muito certo.

Tucker Zimmerman só foi gravar novamente em 1971 o segundo álbum, levando-o a uma carreira muito inconstante, lançando raramente um novo trabalho de onde passou a viver, desde os anos 1970, na Bélgica.

Manuel Göttsching - Dream & Desire (1977)

2011-08-10T05:35:00.000-07:00

A música nunca foi tão livre à experimentação quanto à época do krautrock (também conhecido como Kosmische Musik) na Alemanha. Nenhum outro país se atreveu tanto musicalmente: jazz, rock, psicodelia, blues, música erudita, a excipiente música eletrônica e principalmente os trabalhos de Kartheinz Stockhausen foram colocados no liquidificador das experimentações abertas à muito improviso.

Pode-se dizer que o auge do krautrock foi entre 1969 a 1973, após esse período muitas bandas se desfizeram e outras passaram a fazer uma música mais acessível, como é o caso do Kraftwerk, Can e Tangerine Dream. Outros artistas como Conrad Schnitzler, Faust nunca saíram da marginalidade musical. Era o surrealismo como fuga da realidade alemã pós-guerra.

Manuel Göttsching figura chave nesse movimento e líder do emblemático Ash Ra Tempel, banda em que era líder e teve como integrante o excepcional Klaus Schulzer, foi um dos mais persistentes em prosseguir carreira em experimentações sonoras. Inspirado por compositores minimalistas como Terry Riley, Steve Reiche e Philip Glass, Göttsching em sua careira solo pós sua guitarra a serviço de viagens eletrônicas sublimes.

Dream & Desire, gravado originalmente em 1977, nos lembra muito o álbum New Age of Earth (1975) onde sintetizadores e seqüenciadores mantêm a atmosfera onírica e tranqüila enquanto a guitarra delicada de Göttsching nos guia para não perdermos de vez em uma dimensão estranha ao nosso mundo “real”.

The Waterboys - This Is The Sea (1985)

2011-08-04T06:59:00.000-07:00

Quando o The Waterboys lançou seu terceiro trabalho, This Is the Sea, e conquistou um público maior, principalmente por causa da música The Whole of the Moon, eles poderiam ter seguido a trilha do U2 e trafegar pelo megacircuito ianque – à época, eles abriram para eles a turnê note-americana. Mas não, no álbum subseqüente preferiram refugiar na Irlanda a convite do violinista Steve Wickham, e lançar Fisherman´s Blues, um álbum folk que valorizava a cultura irlandesa, assim evitando as fórmulas fáceis do mundo pop.

A banda sempre capitaneada pelo carismático vocalista/guitarrista/violonista/pianista Mike Scott, alcançou o sucesso em 1985 com este que é o mais famoso e um dos melhores álbuns do The Waterboys, This Is The Sea. Além da citada clássica The Whole of the Moon, temos à la Bruce Springsteen, Don´t Bang the Drum, o rock nervoso de Medicine Bow e as belíssimas Old England e This Is The Sea.

Nessa época a banda ainda tinha como integrante Karl Wallinger, que logo fundaria outra excelente banda, o World Party, que seguia a mesma linha musical do Waterboys, com a diferença de serem mais psicodélicos. Wallinger era grande fã dos Beatles.

As letras, em grande maioria escritas por Mike Scott, muitas vezes continham referências literárias relacionadas à espiritualidade (Mike estudou literatura inglesa e filosofia), algo que manteve inclusive em sua carreira solo. O álbum This the Sea fecha a fase chamada de Big Music, termo usados por vários críticos para descrever o som grandioso dos três primeiros álbuns.

The Black Crowes - Shake Your Money Maker (1990)

2011-07-31T05:13:00.000-07:00

Foi graças a um cover envenenado de Otis Redding – Hard to Handle – que fez disparar às vendas do primeiro álbum desse quinteto de Atlanta em 1990. Em plena era grunge, esses hipongas apareceram um som avesso ao que se praticava à época. Faces, Humble Pie, Rolling Stones, R&B, Blues e todo clima setentão moldava a música do Black Crowes.

Claro, na cola veio outra canção que virou single, Jealous Again, até hoje presente no repertório da banda. A acústica e melódica She Talks to Angles mostra que o cantor Chris Robinson estava à altura de suas referencias. O rock´n´roll está bem apresentado em struttin´Blues, Thick n Thin e Stare It Cold.

Tanto o visual quanto a música surpreendeu muita gente. Não parecia uma banda surgida nos anos 1990 e sim um grupo do início dos anos 1970, chegando até a usar tapetes no palco! Eles comportavam como se fossem velhos manos de Keith Richards, Mick Jagger e com calças boca-de-sino e ignorando pelo menos 15 anos anteriores da histórica do rock.

Este primeiro álbum dos Corvos Negros (por certo, o título é uma clara referência a um tema clássico do bluesman Elmore James) é um fabuloso cocktail de blues-rock, southern rock, hard rock e soul clássico, onde se encontra com a essência dos Rolling Stones, Lynyrd Skynyrd, The Faces, Creedence, Humble Pie, Led Zeppelin e The Band sem cair na vulgaridade de imitação.

Lynyrd Skynyrd - Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd (1973)

2011-07-27T17:18:00.000-07:00

Ao lado do Allman Brothers Band, o Lynyrd Skynyrd é o grupo mais importante do southern rock. A diferença é que eles são muito mais ligado ao rock´n´roll, sendo precursores no uso de três guitarras – características que várias bandas de southern rock seguiram a partir de então.

A banda contava com o cantor Ronnie Van Zant, os guitarristas Allen Collins, Rickey Medlocke e Gary Rossington, o baixista Ed King, Billy Powell no teclado e o baterista Bob Burns. É com esta formação que gravam o debut Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd (1973), produzido por Al Kooper.

Se você gosta de ZZ Top, Blackfoot, Outlaws, Creedence Clearwater Revival, The Black Crowes, caso não conheça, vai curtir esta banda emblemática do rock sulista americano. É neste primeiro trabalho, Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd, que se encontra a segunda música mais famosa deles – a primeira é "Home Sweeet Alabama" – "Free Bird". Uma das melhores músicas da história do rock. Épica (que dura mais de nove minutos), a qual inicia com um lindo arranjo de piano, segue magistralmente até culminar em um dos mais belos duelos de guitarras, onde o duo Rossington e Collins brilham. Na versão ao vivo, que se encontra no álbum One More From the Road (1976), a canção ultrapassa os 14 minutos.

Mas não é apenas de "Free Bird" que o disco é feito. Chama a atenção os riffs de guitarra na faixa de abertura, I Ain´t The One, a beleza da acústica Mississippi Kid”, linda balada Tuesday´s Gone e “Simple Man”, música típica da banda e uma das preferidas dos fãs até hoje.

O titulo do álbum ensina como se pronuncia Lynyrd Skynyrd – o nome veio de uma gozação com um austero professor de educação física, Leonard Skinner, que pegava no pé dos rapazes no colegial. A capa do disco também é bem legal, na qual optaram pela simplicidade. A foto foi tirada na Main Street, em Jonesboro, Georgia.

Apesar de na época o Lynyrd Skynyrd contar com seis membros, na fotografia aparece sete músicos, isso é porque o baixista da banda, Leon Wilkeson, deixou a banda antes da conclusão do álbum e Ed King foi convidado a preencher a vaga. Leon voltaria futuramente.

Ringo Deathstarr - Trip Colour (2011)

2011-07-17T05:26:00.000-07:00

Definitivamente o segredo mais bem guardado do Texas, este grupo chamado Ringo Deathstarr é fortemente influenciado pelo My Bloody Valentine, Jesus & Mary Chains e agradará todos amantes de shoegaze de ontem e de hoje. Doces melodias pop entrelaçadas em paredes de guitarras numa agradável e hipnótica destruição sonora.

Não tem como não ouvir a primeira canção de abertura do disco, “Imagine Hearts” e não pensar no álbum “Loveless” do My Bloody Valentine. Na segunda faixa, “Do It Every Time” é totalmente Jesus and Mary Chains, ao mesmo tempo tem algo de bandas como The Primitives (alguém lembra-se deles?), Lush e Chapterhouse. Pode-se dizer então que este Trip Colour é uma homenagem àquela época. Não falta nada: as vozes enterrado sob uma névoa de feedback, iluminadas por melodias oníricas, além da inserção ácidos synths em algumas canções, fazendo-nos sacudir em um autismo rítmico.

Ringo Deathstarr foi originalmente formado em 2005 pelo cantor e guitarrista Elliott Frazier em sua cidade natal em Beaumont, Texas, mas depois de mudar-se para climas mais musicais, em Austin, a banda estabilizou com o guitarrista Renan McFarland, a baixista Alex Gehring e o baterista Dustin Gaudet . Ringo Deathstarr estreou com o auto-intitulado EP de cinco músicas, foi lançado pela gravadora britânica SVC, no outono de 2007.

Depois de mais alguns EP´s, fazer shows e aprimorar o seu som, a banda foi contratada pela gravadora do Reino Unido AC30 e lança o primeiro álbum, Sparkler (2009), pela AC30 e logo estavam tocando em grandes festivais em 2010.

* O nome da banda veio da junção de Ringo Starr com a Estrela da Morte, uma base bélica criada pelo Império Galáctico da série Guerra nas Estrelas.

Neil Young - Cortez the Killer, a canção

2011-07-10T06:03:00.000-07:00

Cortez the Killer é um dos melhores momentos guitarrísticos de Neil Young, antes mesmo de entrar a letra da canção, temos 3:23 de solos hipnóticos, o mais extenso desde seu trabalho em Everybody Knows This is Nowhere, de 1969. Todo fã do bardo canadense considera esta música como uma das melhores de sua carreira. A música encontra-se no álbum (também impecável) Zuma, de 1975. Gravado com os fiéis escudeiros do Crazy Horse, ou seja, Neil Young elétrico. A canção foi proibida na Espanha e atrasou o lançamento do álbum por alguns anos por lá.

Neil Young sempre fez letras que remetem ao mundo indígena. “Tenho todas estas músicas sobre o Peru, astecas e incas. Coisas de viagem no tempo”, ele diz à Rolling Stones em 1975. No caso de Cortez The Killer, sobre o conquistador espanhol que pôs fim ao império Asteca, veio de um sentimento despertado ainda quando ele era um jovem estudando secundário, nas aulas de história.

Conta-se a lenda, que a estrutura da canção foi em grande parte moldada por um acidente, uma falha de energia que ocorreu no meio da gravação. Ele e o produtor David Briggs voltaram e fizeram algumas edições criativas, recortando a canção. Diz Young. "Você pode ouvir a emenda sobre a gravação de onde paramos e começamos de novo. É uma edição confusa ... incrível! Foi um acidente total. Mas é assim que vejo o melhor da minha arte, como um acidente mágico após o outro. É isso que é tão incrível”.

A letra da canção por falar de Montezuma, alguns dizem inspirar o título do álbum, Zuma; outras fontes acreditam que a inspiração veio do nome da praia na Califórnia onde Neil tinha uma casa. De todo modo, Cortez the Killer engrandece um excelente álbum, principalmente por ter realizado um trabalho bem perturbador anteriormente, Tonight´s the Night, no qual exorcisava a morte de dois amigos, o roadie Bruce Berry e o guitarrista do Crazy Horse, Danny Whitten. Mas esta é uma história para outra oportunidade.

Cortez The Killer

He came dancing across the water
With his galleons and guns
Looking for the new world
And a palace in the sun.

On the shore lay Montezuma
With his coca leaves and pearls
In his halls he often wandered
With the secrets of the world.

And his subjects gathered 'round him
Like the leaves around a tree
In their clothes of many colors
For the angry gods to see.

And the women all were beautiful
And the men stood straight and strong
They offered life in sacrifice
So that others could go on.

Hate was just a legend
And war was never known
The people worked together
And they lifted many stones.

They carried them to the flatlands
And they died along the way
But they built up with their bare hands
What we still can't do today.

And I know she's living there
And she loves me to this day
I still can't remember when
Or how I lost my way.

He came dancing across the water
Cortez, Cortez
What a killer.

Cheap Trick - Heaven Tonight (1978)

2011-07-01T09:35:00.000-07:00

No final dos anos 1970 não existia banda mais legal, engraçada e fanfarrona do que o Cheap Trick. Vindos de Illinois, EUA ganharam fama e popularidade primeiramente no Japão, antes de fazerem sucesso com o terceiro álbum, Surrender (1978). Pois é, Japonês curte de tudo mesmo, e lá, rolou uma verdadeira febre do tipo beatlemania, ou melhor, trickmania – por isso ao vivo, Live At Budokan (1979) foi gravado no Japão.

O Cheap Trick era formando por uns tipos bem incomuns: Rick Nielsen, o roqueira que usava guitarras exóticas com vários braços – imagina o peso delas?; Bun Z. Carlos parecia um bancário pai de família; Tom Petersson e Robin Zander, a dupla de “bonitões”.

A banda praticava um hard pop muit legal e tinha forte influência dos Beatles, tanto que chegaram a ter um álbum produzido por George Martim, All Shock up (1980) e Rick Nielsen e Bun E. Carlos chegaram a tocar com John Lennon.

Heaven Tonight, de 1978, o seu melhor álbum de estúdio e o primeiro a fazer sucesso fora do João. No EUA, o disco ganhou disco de ouro e chegou no 48º lugar nas paradas. No Japão ganhou seu terceiro ouro e aumentou ainda mais o status de superstars. O single de Surrender foi o único a entrar no Hot 100 dos EUA. O álbum chegou a sair no Brasil à época. Além de abrir de cara com o hit Surrender, contém outras canções de peso como On The Radio; influência de AC/DC, em Stiff Competition e High Roller; e a balada meio glam de Haven Tonight. Tom Petersson tocou um baixo de doze cordas, o que faz de Heaven Tonight´s a primeira gravação com este instrumento.

Eles ainda lançariam outro grande álbum, Dream Police, de 1979. Aos poucos foram saindo de moda e perdendo a magia inicial. A banda ainda existe e para provar a influência dos Beatles, o último lançamento deles é Sgt. Pepper Live (2009), tocando o álbum na integra, claro que do jeito deles, para comemorar os 40 anos desse clássico.

Manilla Road, fiéis ao Heavy Metal

2011-07-01T07:30:00.000-07:00

Hoje o heavy metal e seus milhares de sub-estilos é bem ruim. Eu que sempre fui fã de heavy metal, depois que surgiu o trash metal, o death metal e mais recentemente grindcore, splatter, hardgore a coisa piorou muito. E para piorar a situação apareceram os vocais guturais e principalmente os vocais “rasgados” – ninguém aguenta aquela gritaria por mais de 10 minutos.

Voyager, último trabalho de estúdio

Com isso as melodias desapareceram de vez, um berreiro infernal tomou conta – tem coisa pior do que ouvir um disco inteiro com vocais rasgados? O ouvido humano merece respeito! É como o Oswaldo do Made in Brazil diz: “heavy metal tem que ter melodia, ritmo, peso, uns puta solos”. Ou seja, tem que ter groove e uns riffs matadores e um bom cantor. Sim, cantor.

Claro que existem muitas bandas de metal legais – não tanto como nos “bons tempos”. O Manilla Road é uma dessas e ainda está na ativa; eles que surgiram em meio à onda do New Wave of British Heavy Metal (N.W.O.B.H.M.), que para muitos foi a melhor época para o heavy metal.

Quase todos os álbuns do Manilla Road são conceituais, retratando temas que levam o ouvinte para terras distantes, muito além das fronteiras tangíveis do mundo moderno e suas preocupações cotidianas, nas asas do heavy metal clássico. Mesmo após 30 anos de carreira ainda nem pensam em largar esse arquétipo. É como vimos em seu último álbum de estúdio, Voyager (2008).

Manilla Road faz heavy metal autêntico, puro, bravio, chacoalhado de riffs, mesclando velocidade e peso. Esqueça as atuais bandas de metal com visual de surfista malhado. Tocar heavy metal vai muito além de gritar e fazer pose de poucos amigos.

Klaatu – Os Beatles disfarçados?

2011-06-26T06:28:00.000-07:00

Em 1973, apareceu uma banda misteriosa, cujo nome também era estranho – Klaatu (o personagem extraterrestre do filme “O Dia em que a Terra Parou”) que criou polêmica entre os fãs dos Beatles, levando-os a pensarem que era os Beatles disfarçados.

Em 1977, uma rádio canadense começou a tocar uma música chamada Sub Rosa Subway, de uma banda desconhecida até então, chamada Klaatu. Vários ouvintes começaram a ligar perguntando se era um novo disco dos Beatles. Para piorar a situação, um artigo no jornal norte-americano Providence Journal disse que Klaatu poderia ser nem mais nem menos do que a banda de rock mais famoso da história e um DJ australiano afirmou que era um álbum não lançado dos Beatles chamado Sun.

Ringo como Klaatu

As evidências eram muitas. Vejamos: Ringo Starr, anos antes, havia lançado um álbum solo em que, na capa, aparecia vestido como Klaatu, o personagem extraterrestre do filme “O Dia que a Terra Parou”; o primeiro LP do Klaatu foi lançado pela Capitol, selo que lançava os Beatles nos EUA; existia um boato que Lennon havia se mudado para Toronto, devido aos problemas com o governo dos EUA; não havia nenhum crédito sobre eles no disco, nem mesmo os nomes dos músicos, produtores e compositores, ou até mesmo fotos da banda; ao tocar Sub Rosa Subway ao contrário, usando um oscilador de freqüência de baixa rotação, ouviria a mensagem: “Somos nós, somos os Beatles!”.
A lenda diz que o disco foi encontrado em 1975, durante a busca por materiais para o projeto “The Long and Winding Road”, abandonado e retomado posteriormente em 1995 como Anthology. O álbum acredita-se, foi gravado no espaço entre Revolver e Sgt. Peppers.

Nem sempre onde há fumaça há fogo, e nesse caso era apenas fumaça. Klaatu era formado pelos canadenses John Woloschuck, Terry Draper e Dee Long, que chegaram a editar cinco álbuns antes de dissolver a banda, incluindo o primeiro, 3:47 EST (1976), que deu origem a toda essa lenda. No início, a intenção era mesmo não colocar nenhum crédito na capa com a esperança de que a música falasse por si mesma. Uma vez que o boato surgiu, o trio decidiu manter a confusão e apenas em seu quarto álbum, Endangered Species, em 1980, incluíram os seus nomes, os compositores e até mesmo o nome do produtor, Christopher Bond.

Obs.: A dupla The Carpenters regravou a música Calling occupants of interplanetary craft em 1978, fazendo muito sucesso com ela.

Three Dog Night e os sucessos de uma época

2011-06-19T06:01:00.000-07:00

Música é memória. E hoje relembrei uma antiga banda dos anos 1970, chamada Three Dog Night, mesmo com este nome esquisito eles fizeram muito sucesso, mas nunca foram muito aceitos pela ala mais radical do rock à época. Muito devido deles não comporem suas próprias musicas, mas pelo menos ajudaram a popularizar compositores como Nilsson, Leo Sayer e Randy Newman.

Antes a banda se chamaria Soma, depois SubRosa e Tricycle. Mas um dia a namorada de Danny Hutton, June Fairchild, leu um artigo em uma revista na qual se explicava como os aborígenes australianos cavavam buracos no deserto para dormir, enquanto isso se aqueciam com um bom cão. Quando estava muito frio, utilizava-se um segundo cão. Assim, as noites muito frias no interior da Austrália é chamada de Three Dog Night, daí o nome.

A influência no cenário musical do Three Dog Night é inegável: 21 temas entre as 40 mais populares, 11 canções no Top 10, sete singles que venderam mais de um milhão de cópias e vários discos de ouro. Até o final de 1975, havia vendido 50 milhões de cópias.

O fato do grupo não ter uma voz que poderia ser chamado de líder, só enriqueceu as músicas. Ou seja, eram três cantores Danny Hutton, Chuck Negron e Cory Wells, que faziam belas harmonias vocais – não pensem em algo tipo Bee Gees, ok? O som era um pop rock, com temas meio hippies como Shambala e Joy o the World.

Apesar de eles serem muito criticados por serem muito comerciais, ninguém negava que os arranjos e interpretações eram excelentes. De 1970 a 1976 a banda teve enorme sucesso, até o momento em que começou os desentendimentos internos - problemas de ciúmes entre os três cantores basicamente. Também em 1976, o punk arrasando a Inglaterra e a discoteca começando a reinar nos EUA ajudou a por fim a banda.

Alice Cooper, o roqueiro romântico

2011-06-12T05:00:00.000-07:00

Sei que muitos estranharão o título acima, ainda mais que Cooper (Vincent Damon Furnier) tocou recentemente no Brasil nos brindando com o melhor do seu shock-rock. Mas entendermos o título de “roqueiro romântico” melhor voltarmos em 1975 quando Alice dispensou sua banda - o Alice Cooper Group - que o acompanhava desde o início para partir em carreira solo.

Depois de lançar Welcome to My Nightmare em 1975, seguindo uma linha mais teatral, mas não menos hard rock, sua carreira começou a declinar, embora o álbum fizesse certo sucesso, graças muito a linda balada "I Never Cry”, muitas das quais ele faria adiante e conquistando outro tipo de público, aquele mesmo que curtia as baladas de Elton John. Fato interessante, é que no álbum de 1978, From the Inside, o disco foi todo co-composto por Bernie Taupin, o autor de quase todas as letras das músicas do Elton John. Nele encontra-se a canção How You Gonna See Me Now, outro grande sucesso, afinal seus rocks já não chamavam tanta atenção.

De todas baladas de Alice Cooper à época, foi You and Me, de 1976, que o levou ao Top 20. Música que foi lançada em single e também se encontra no álbum Lace and Whiskey do mesmo ano. Nesta época era comum ouvir anunciarem antes de tocar suas músicas nas rádios: “Alice Cooper, o roqueiro romântico”. E eu, ainda criança, pensava: “este título não é do Elton John?”

Alice Cooper só voltaria a por peso em suas canções no álbum Constrictor (1986), quando várias bandas de hair metal o reverenciavam-no. Refiro-me a bandas como Twisted Sister, Poison e Motley Crue, e, claro, Guns´n´Roses do Slash, sujeito que também sempre curtiu uma cobrinha. Logo viria o disco Trash, de 1989, que o alçou o 1º lugar nas paradas de sucessos, conquistando uma nova geração e fazendo que até gente como a ex-Nightwish Tarja Turunen fizesse cover da canção Poison.

* Este post é dedicado a todos os casais de namorados e principalmente a Adriana, minha namorada, deste blog aqui: Nada contra o Verso

Jethro Tull - Aqualung (1971)

2011-06-05T06:18:00.000-07:00

A década de 1970 foi a época de grandes álbuns: Dark Side of the Moon, do Pink Floyd; Sticky Fingers, The Rolling Stones; a Night At The Opera, do Queen; e, claro, a obra-prima Aqualung, do Jethro Tull. Mas o motivo maior de falar deste álbum é por ele fazer aniversário de 40 anos este ano.

O Jethro Tull atingiu o auge do sucesso com ele, em uma mistura de rock progressivo, folk, hard rock e blues. Apesar de Ian Anderson (o líder flautista) sempre pousar de indigente, a foto da capa de Aqualung não foi baseado nele, e sim em uma foto tirada pela sua esposa fotógrafa, de um andarilho, que fez o criador de salmão nas horas vagas Ian Anderson criar todo um enredo sobre um sujeito meio pedófilo que tinha sérios problemas respiratórios; por isso o título Aqualung - um regulador de mergulho que supre a necessidade de gás respirável à pressão ambiente.

E é bom lembrar que o solo de guitarra de Martin Barre na canção Aqualung é um dos momentos mais sublimes da musica, fora o riff inicial que faz com que reconhecemos a música já na primeira nota. Outro grande destaque é Cross-Eyed Mary, que foi regravada pelo Iron Maiden e por mais que tenha ficado muito boa, a original é insuperável.

Em 1996 para celebrar os 25 anos do clássico Aqualung, de 1971, foi lançada a versão remasterizada com cinco faixas-bônus, numa caixa digna de elogios e trazendo todas as letras. Logo após dessa obra-prima, o Jethro Tull voltaria a assustar o mundo com outra obra digna de respeito no ano seguinte: Thick as a Brick.

Era um álbum conceitual ou não?
Há anos ouço críticos afirmando ser Aqualung um trabalho conceitual e outros dizendo que nunca o foi. Para acabar com toda essa falácia transcrevo o que diz Ian Anderson em uma entrevista logo após a banda ter ganhado o Grammy de “melhor banda de heavy metal”, desbancando o Metallica em 1989.

“Quando lançamos Aqualung (71), todo mundo saiu dizendo que éramos um grupo que fazia álbuns conceituais. Mas o disco tinha apenas duas canções interligadas que de certa forma falavam de um mesmo assunto. Mas não acho que, de uma maneira geral, Aqualung tenha sido um álbum conceitual - decerto não era esse o nosso objetivo. Uma metade do disco não tinha coisa alguma a ver com a outra metade. Por outro lado, Thick As A Brick (72) era, de fato, um álbum conceitual, foi feito de acordo com esta noção. Rock Island, por sua vez, foi um esforço de grupo, foi um projeto conjunto, mas álbum conceitual... Thick As A Brick, sim, e Passion Play (73), que veio logo em seguida, eram álbuns conceituais.”

Wild Nothing, alegre melancolia

2011-05-29T08:52:00.000-07:00

Guitarras com sabor Felt, a melancolia do Field Mice e todos aqueles conjuntos pertencentes à Class of 86 (hoje, Twee pop) que incluía bandas anoraks como Pastels, Wolfhounds e The Wake. Sim, o Wild Nothing tem muito dos anos 1980 - para o grande público não vai ser difícil perceber influências do The Cure, fase Disintegration e as canções mais eletrônicas é puro synth pop. No entanto, podemos sentir que há sintonia com os trabalhos de Ariel Pink, a leveza shoegaze do The Pains of Being Pure At Heart e Radio Dept. Ou seja, o melhor do low-fi. Esta é a estréia do Wild Nothing com seu Gemini, lançado em 2010.

Captured Tracks é um selo do Brooklyn, e está se tornando uma referência para encontrar e descobrir novos e interessantes artistas. Jack Tatum, um rapaz nascido em Virginia, anteriormente em projetos como o Jack and the Whale e Facepaint, agora encara uma “banda”. Desde 2009, o Wild Nothing já tinha lançado lindos EPs, depois nos brindou com um álbum completo.

Tudo é tão melancólico e tão bonito. É como uma manhã ensolarada em vez de deixá-lo mais alegre, deixa-o mais triste. Verdade, não há nada de novo na música do Wild Nothing; no entanto, não os vejo como um projeto ou futuramente uma banda – Tatum fez tudo sozinho, tocando baixo, guitarra, sintetizador e bateria e montou uma banda para testar as canções ao vivo, recrutando o baixista Jeff Haley, o guitarrista Nathan Goodman, e o baterista Max Brooks e saíram por aí tocando ao vivo.

Gemini foi lançado na primavera de 2010 e recebeu todo tipo de elogio da crítica. Depois seguirando com o EP Golden Haze, no final de 2010, resolveram reeditar Gemini em fevereiro de 2011, com músicas bônus, incluindo uma versão para música Cloudbusting de Kate Bush.

Creedence Clearwater Revival

2011-05-22T10:09:00.000-07:00

Aproveitando a recente vinda de John Fogerty no Brasil, tocando praticamente só clássicos da banda. Nada melhor do que lembrar este magnífico grupo que em poucos anos (1969-1972) de registros em vinis, deixou sua marca na histórica do rock. Bayou Country, Green River, Willie & The Poor Boys, Pendulum e Mardi Gras, são cinco álbuns essenciais na prateleira de qualquer coleção que se preze.

John Fogerty, que fundou a banda em 67, junto com o irmão mais velho Tom e os colegas de escola Stu Cook e Doug Clifford, já tem lugar marcado no panteão dos grandes compositores americanos de todos os tempos. "Bom On lhe Bayou", "Proud Mary", "Bad Moon Rising", "Green River", "Fortunate Son", "Have You Ever Seen lhe Rain"... São muitos os clássicos do rock escritos por John Fogerty. E, clássicos que são, eles não envelhecem um só segundo em seu fulgor.

Como gosta de lembrar Thurston Moore, do Sonic Youth, o Creedence foi o primeiro grupo a aparecer usando camisas de flanela. Mas, piadas à parte, o quarteto fica na história mesmo pelo brilho conciso e urgente de suas guitarras. Um som meio caipirão sulista que foi apelidado de swamp rock - muito também pelas letras em que pululam sapos-boi, enchentes e barcarolas. John Fogerty cresceu muito longe de bayous e pântanos, mas sua voz rasgante dá a impressão de que ele tomou toda a água dos brejos do Sul dos Estados Unidos. E o talento literário transborda.

Na verdade, o mais sensacional no Creedence foi a fertilidade do grupo em 1969. Os excelentes Green River e Bayou Country e o seminal Willie & The Poor Boys (com a definitiva gravação da tradicional "Midnight Special") são todos desse mitológico ano. Mardi Gras, de 72, já não conta com a guitarra de Tom Fogerty e é considerado o mais fraco trabalho do grupo. O que não quer dizer que não seja bom.

Madredeus: música que acalma

2011-05-15T12:58:00.000-07:00

Reunindo a tradição portuguesa com a voz perfeita da cantora Teresa Salgueiro, este conjunto conseguiu ser uma exceção na música popular portuguesa, fazendo sucesso até no Japão! Não foi apenas o cineasta Wim Wenders que ficou extasiado ao deparar-se, pela primeira vez, com o som desses lusitanos – basta ler o exaltado texto introdutório no CD “Ainda” (trilha sonora do filme Lisbon Story, de 1995) da banda; eles conquistavam platéias por onde passavam, seja na Grécia, Croácia ou Brasil.

O que se pode dizer de uma banda que reunia uma cantora excepcional, a soprano Teresa Salgueiro; um exímio violonista, Pedro Ayres Magalhães e violoncelo de Francisco Ribeiro? Uma música sublime, envolta em uma melancolia infinita; uma música que toca a alma e parece resgatar sentimentos dos mais profundos em nosso ser. Sim, as canções do Madredeus carregam aquela tristeza do fado, ao mesmo tempo em que é erudita; grandiosa.

O embrião do Madredeus encontra-se nos dissidentes de duas bandas: Pedro Ayres Magalhaes (Heróis do Mar) e Rodrigo Leão (Sétima Legião), e logo junta-se a eles Gabriel Gomes. Era o ano de 1985. Foi nos ensaios em um antigo Convento da Madre de Deus, em Xabregas, Lisboa que entra em cena Teresa Salgueiro – uma simples garota, de 17 anos, de vida e hábitos simples que carregava em si uma voz privilegiada. Era o início da maior e mais famosa banda que Portugal já teve: o Madredeus.

Depois de quase 20 anos e uma coleção de álbuns que beiram a perfeição, a bela Teresa Salgueiro abandona a banda e parte para carreira solo. Imaginar o Madredeus sem Teresa era o mesmo coisa que imaginar os Rolling Stones sem Mick Jagger ou o U2 sem o Bono. Ainda assim, em 2008, o Madredeus junta-se a Banda Cósmica, um projeto que constava de duas cantoras (Rita Damásio e Mariana Abrunheiro) e uma penca de músicos, incluindo percussão, guitarra elétrica e tal. Nem precisa dizer que não decolou.

The Church - Starfish (1988)

2011-05-08T05:22:00.000-07:00

The Church é uma banda australiana que teve seu auge na segunda metade dos anos 1980, principalmente com o lançamento de Starfish (1988), onde se encontra clássicos como Under the Milky Way e Reptile. São também significativos os trabalhos anteriores como The Blurred Crusade (1982) e Remote Luxury (1984). A banda seguia bem o estilo de seus comteporâneos como The Echo and the Bunnymen, The psychedelic Furs e R.E.M. Ou seja, belas guitarras, melodias maravilhosas e vocais harmoniosos.

Apesar de eles existirem até hoje, ficaram, para muitos, marcados como “banda dos anos 80”. No entanto, o The Church nunca parou de gravar discos, embora o estilo fosse mudando - tentando se adaptar as novas décadas -, eles nunca mais repetiram o sucesso do álbum Starfish.

Starfish foi gravado quando mudaram para Los Angeles, buscando um som mais comercial e superar o fracasso de venda do trabalho anterior, Heyday (1986). A sonoridade adquirida nos EUA resultou em canções mais compactas e diretas. A música Under the Milky Way, lançada primeiramente como single, fez grande sucesso por lá, tanto quanto no Brasil. No ano seguinte, ainda lançaria outro excelente trabalho: Gold Afternoon Fix, que trouxe os hits Metrópolis e You're Still Beautiful.

The Railway Children - Reunion Wilderness (1987)

2011-05-01T05:09:00.000-07:00

The Railway Children, de 1970, é um dos filmes mais bonitos que já vi. Sua beleza está na simplicidade, nos ensinamentos de valores profundos e eternos. O filme inglês foi baseado no romance de mesmo nome de E. Nesbit e tinha nos papéis principais Jenny Agutter, Sally Thomsett e Bernard Cribbins. The Railway Children revelou-se um sucesso de crítica, tanto na época de seu lançamento quanto nos anos posteriores.

The Railway Children era também o nome de uma banda de Manchester – se existe uma conexão entre o filme e a banda isto eu não sei, mas uma coisa é certa: a banda era tão simples e bela quanto o filme. O Railway Children era formado pelo vocalista Gary Newby, Brian Bateman, guitarra, Guy Keegan, bateria e Stephen Hull, baixo.

Reunion Wilderness, o debut da banda pertencia a Factory e provavelmente a banda mais pop do selo. Chegou a ser lançado no Brasil pela Stilleto. Seu primeiro compacto. "A Gentle Sound", acústico e despojado, já era uma antítese dos lançamentos da gravadora. Reunion Wilderness soa como uma conjunção lírica e sonora de alguns de seus conterrâneos de Manchester – The Smiths, James e a guitarra de Vini Reilly. A síntese é mainstream, um pop entre agradável e sensivel, com pelo menos um hit: "Brighter".

A banda lançaria ainda alguns álbuns já pela Virgin Records, mas sem nunca repetir o sucesso do seu disco de estreia.

Jesus Cristo, a estrela do rock

2011-04-21T06:39:00.000-07:00

A primeira ópera-rock que se tem notícia é da banda inglesa The Pretty Things com S.F. Sorrow (1968), logo viria o The Who, um ano após, com Tommy – que muitos consideram a primeira ópera-rock, ignorando a obra do The Pretty Things. A partir de então, óperas-rock surgiram aos montes, algumas viraram filmes, outras não saíram da versão em áudio.

Em 1970, Tim Rice (composição) e Andrew Lloyd Weber (letras) tiveram a idéia de fazer uma ópera-rock contando os últimos dias de Jesus Cristo. Baseado no livro “Vida de Cristo” de Fulton J. Sheen e nos evangelhos sinópticos, o enredo gira em torno de Jesus, Judas Iscariotes e Maria Madalena. Mas a dupla de malucos (Rice e Weber) resolveu incrementar a história retratando Jesus mais como um superstars, o ídolo de Jerusalém, em que o culto a sua personalidade é mais importante do que sua mensagem. Judas tenta alertar a multidão desse perigo enquanto Maria Madalena é a groupie preferida de Jesus.

Capa original da trilha sonora de 1970 com Ian Gillan

Desde o início era fazer um musical, mas por falta de dinheiro investiram em uma trilha sonora para ver no que dava. Portanto, optaram por nomes desconhecidas na época: Murray Head (Judas), Yovonee Elliman – futuramente tocaria com a banda de Eric Clapton, a única a participar da versão cinematográfica como na peça da Broadway e chegaria até a gravar álbuns Disco -, como Maria Madalena, Paul Raven (logo ficaria famoso no cenário glitter rock como Gary Glitter) na papel de um sacerdote e para interpretar Jesus, um jovem chamado Ian Gillan, recém integrado à banda Deep Purple. Os produtores tinham ficado impressionados com a voz do rapaz em seu primeiro trabalho com o Deep Purple (Concerto for Group and Orchestra, 1970).

Gillan não participaria do filme de 1973, algumas fontes dizem que ele pediu uma grana alta, outras foi porque ele estava muito ocupado com o Deep Purple. O certo é que ele se arrependeu mais tarde.

Ian Gillan

Jesus Christ Superstar foi um sucesso surpreendente, chegando ao número 1 da Billboard em 1971. O álbum duplo (vinil) era embalado nos EUA em um papelão especial marrom, acompanhado de um livrete de 28 páginas. Com o sucesso da trilha sonora e depois na Broadway, conseguiram dinheiro para a produzir a versão cinematográfica. A produção do filme ficou a cargo de Norman Jewison trazendo no elenco Ted Neeley (Jesus), Carl Anderson (Judas) e Yvonne Elliman, permanecendo no papel da Maria Madalena.

O filme fazia crítica a quase tudo que rolava na época: um Judas black power, Roma que reagia ao rebelde Jesus e seus seguidores com tanques de guerra, metralhadoras e ao mesmo tempo permitia prostituição, tráfico de drogas nos templos. Nem precisa dizer que a igreja católica categorizou o filme de herético.

Em se tratando da trilha sonora da versão cinematográfica para a de 1970 é que a primeira é mais pomposa e menos roqueira. Apesar de Ted Neeley ter mais técnica que Ian Gillan, ele perde em naturalidade e emoção. O mais legal mesmo é que a original tem uma pegada bem rock´n´roll com guitarras pra lá de psicodélicas.

A obra como peça musical percorreu o mundo e até hoje é encenada. Passou por países como Japão, Peru, Portugal, Hungria e só Deus mesmo para saber para onde mais Jesus foi parar. No Brasil, a peça também foi encenada, com tradução de Vinicius de Moraes e Antônio Fagundes como Jesus. Existe também uma versão mais roqueira da peça musical com Sebastian Bach (Skid Row) no papel de Jesus, Alice Cooper (Herodes) e Corey Glover (Living Colour) como Judas negro.

New Model Army - Thunder and Consolation (1989)

2011-04-17T06:41:00.000-07:00

Na década de 1980 eu era muito fã do New Model Army, eles naquela época, tinham com seu pós-punk a mesma urgência de bandas como U2 - guitarras afiadas, letras politizadas cantadas como um grito de guerra. 51 st state, White Coats e The Hunt são algumas músicas que se tornaram hinos não só da banda, como da daquela geração. Mas logo lançariam aquele que muitos consideram seu melhor álbum: Thunder and Consolation.

Ao prosseguir na busca pela sonoridade dos grandes grupos do passado, neste álbum, o New Model Army resgatou o know-how de Tom Downd, um veterano responsável por alguns dos melhores momentos do Cream (Disraeli Gears), Allman Brothers (At Fillmore East) e Derek and the Dominoes (Layla and Other Assorted Love Songs). Desse encontro surgiu um disco nos extremos da visceralidade, um mix brutal de hard-rock, punk da primeira fase e rock´n´roll que acabou por suplantar os trabalhos anteriores do trio tidos como definitivos. Entre os destaques, o euro-single "Stupid Questions", a trovejante "225" e a abertura climática, com "The World".

O nome da banda veio do exército revolucionário formado por Oliver Cromwell na Guerra Civil Inglês do século XVII e existe até hoje, com 13 álbuns lançados. Justin Sullivan é o único músico sobrevivente da formação original, e, claro, ele ainda é o líder. Uma das coisas que na época achávamos engraçado, ao assistir os vídeos da banda, era que Sullivan não tinha um dente da frente e todo mundo comentava.

Mariee Sioux, cantando para os índios

2011-04-10T05:47:00.000-07:00

Quem gosta da cantora folk Alela Diane, sem dúvida não terá dificuldade de curtir Mariee Sioux. Músicas cheias de espiritualidade e paz. O legal é que ambas já tocaram juntas e ficaram amigas.

Mariee Sioux, como Adele, também nasceu em Nevada (EUA). Suas canções falam sobre búfalos, montanhas, lobos e montanhas sagradas. Ela faz parte dessa nova geração de cantoras americanas folks que foram capazes de fornecer à música tradicional ares renovadores.

Seu pai, Gary Sobonya, é um bandolinista de origem polonesa e húngara, e sua mãe tem raízes espanholas e mexicanas. Com esses antecedentes, não é de se estranhar que Mariee Sioux tenha investigado a herança musical dos índios norte-americanos, que não hesita em incorporar em seu universo sonoro.

Seus discos são de uma beleza rara. Algumas músicas chegam a ultrapassar seus 10 minutos, mas você nem sente porque se envolve facilmente em uma atmosfera indígena que funciona como bálsamo para nossos ouvidos.

Ozzy Osbourne – Diary of a Madman (1981)

2011-04-03T05:20:00.000-07:00

Enquanto canais de tv se preocupam mais em relatar o lado pessoal da vida de Ozzy Osbourne, dando destaque para suas histórias de “roqueiro drogado” e relembrar coisas do tipo: quando no primeiro Rock in Rio (1985), ele comeu uma oferenda para Orixás (era um prato com frutas próximo a uma cachoeira), esquecem o mais importante: sua música!

Diary of a Madman é o segundo solo de Ozzy e foi gravado entre janeiro a março de 1981, no Ridge Farm Studios, na Inglaterra. Infelizmente era o último registro com Randy Rhoads na guitarra – faleceria em 19 de março de 1982, aos 25 anos de idade, no trágico acidente de avião.

Só de ouvir a abertura com Rhoads em um riff matador na empolgante Over The Mountain já entramos em estado de graça. Além de ser uma das melhores da carreira de Ozzy. You Can´t Kill Rock and Roll é outro momento de destaque, com o excelente arranjo de Rhoads. Tonight é daquelas baladas que sempre arranja espaço nos álbuns - uma tradição que já vinha desde a época do Black Sabbath, sendo inaugurada por Chances do Vol. 4.

Mas é na longa canção Diary of a Madman, com suas várias mudanças de andamento, que está o grande destaque do álbum. Lembro que fique deveras impressionado com a música e mal sabíamos que era a despedida de um dos maiores guitarristas que já passou por esse mundo insensato.

Ozzy Osbourne faria muitos álbuns clássicos após este, mas até então já era o suficiente para o grande madman entrar pra a história não só do rock´n´roll e heavy metal, mas da música.

Adele – 21 (2011)

2011-03-27T05:52:00.000-07:00

Soul, elegância e talento

Adele Laurie Blue Adkins, 22 anos, começou a cantar quando tinha quatro anos. A primeira canção que compôs foi Hometown Glory, quando tinha 16 anos, e se tornou se primeiro single, lançado em outubro de 2007; também entrou para seu primeiro álbum “19”, lançado em janeiro de 2008. Desse álbum foi extraído seu segundo single, a emocional “Chasing Pavements”. Com “19”, ela consegue o primeiro lugar na Grã-Bretanha e nos Países Baixos, obtendo um considerável 10 posição nos EUA.

Agora é lançado "21" e consegue superar seu primeiro álbum em todos os sentidos. Precedido pelos singles Rolling In The Deep e Someone Like You, que já havia dado para sentir o que viria pela frente - é justamente esses dois singles que chegaram simultaneamente no top 5 da lista britânica de sucessos; um privilégio que só os Beatles alcançaram no início da década de 1960. “21” também se encontra na quarta semana consecutiva na primeira posição, com mais de 50 mil cópias vendidas. Ela também superou Lady Gaga, retirando-a do primeiro lugar com o single Someone Like You.

Não tem um lugar na Europa que ela não arrebentou. Na Holanda, por exemplo, já foi platina 2 vezes, ouro na Alemanha, sendo que o disco foi lançado em Janeiro. Recentemente ela ultrapassou Justin Bieber em vendas nos EUA, 352 mil cópias em apenas uma semanas após seu lançamento.

Enquanto se dá a entender por aí - pelo excesso de publicidade - que os artistas do momento são gente como Lady Gaga e Justin Bieber, quem bate recordes de vendas é uma cantora gordinha com um vozeirão e que não precisa fazer declarações da vida pessoal para se manter na mídia.

O legal é que isso não é forçado, o disco nem teve tanta divulgação; tudo aconteceu pela força das canções – algo bem diferente de Lady Gaga, que faz uma novela para lançar qualquer coisa usando de um hype exagerado, e quando vamos ouvir o tão revolucionário single é apenas uma canção pop sem muito atrativo.

Sinceramente, 21 é um dos discos mais lindos que já ouvi na vida. Nunca imaginei que isso iria acontecer em 2011. Como é difícil destacar qualquer música, cito apenas o curioso cover do The Cure para Lovesong.

BBC reúne gravações raras da banda Yes no início de carreira

2011-03-20T06:52:00.000-07:00

Lançado originalmente em 1997, Something's Coming: The BBC Recordings 1969-1970 traz várias atuações ao vivo que o Yes gravou para a BBC (Top Gear, The Sunday Show, etc) em 1969 e 1970), além de uma gravação para uma rádio alemã e outra para uma francesa. A qualidade sonora não é uma das melhores, mas se tratando de gravações raras para a BBC, pode-se dizer que é muito boa neste tipo de material.

O álbum é acompanhado de um livreto que inclui fotografias antigas, críticas feitas pela imprensa, bem como um ensaio de Peter Banks, no qual ele descreve de forma espirituosa, inteligente e (compreensivelmente) amarga sobre a maneira como ele foi despedido da banda e aproveita para saltar farpas em seu substituto, Steve Howe.

Muitos fãs não valorizam este período do Yes por não considerá-la sua fase “clássica”, a qual não incluía Steve Howe e Rick Wakeman. A banda ainda se dividia entre composições próprias e material alheio - “No Opportunity Necessary, No Experience Needed”, de Richie Havens, “Everydays”, de Stephen Stills, “Every Little Thing”, Beatles e “I See You”, do The Byrds – em seus dois primeiros trabalhos. A banda já mantinha uma energia incendiária com apenas dois álbuns de estúdio. Chris Squire destacava com seu baixo, uma Rickenbacker RM1999, que a utilizava para efeitos comuns em guitarra; Jon Anderson diferenciava com suas letras e “voz de anjo”; Banks tocava com ferocidade e talento, que faz você pensar porque os outros caras queriam se livrar dele; e Bill Bruford era o cara na bateria, tanto que o King Crimson fez questão de roubá-lo para si.

É interessante ouvir as músicas de Time and a Word (1970) tocadas sem o apoio de orquestra e algumas canções raras como uma versão diferente para Dear Father. Mas a verdadeira surpresa vem com a inédita “For Everyone”, extraída do início de uma seção de “Starship Trooper”.

Além da qualidade do som, alguns fãs ainda podem reclamar de que várias músicas aparecem mais de uma vez nos dois cd´s com performances diferentes. Com o tempo total de cerca de 95 minutos, poderia ter cortado essas faixas “repetidas” e pô-las em único cd. Mas Something´s Coming – The BBC Recordings 1969-1970 foi feito para colecionadores, fãs de bootleg, trazendo músicas ao vivo de uma fase não muito explorada. O que vemos geralmente são bootlegs e discos ao vivo oficiais da fase “clássica” com a entrada de Steve Howe e Rick Wakeman.

Obs.: este álbum foi reeditado nos EUA, cerca de um ano depois com o título Beyond and Before.

Capas semelhantes, cópia ou coincidência?

2011-03-12T08:51:00.000-08:00

Sempre se ouviu falar muito de plágio musical, mas plagiar capa de álbum é algo também comum. Em alguns casos é apenas coincidência; em outras, como no caso do primeiro disco do Roberto Carlos, “Louco por Você, de 1961, tem a mesma fotografia do disco do Ken Griffin, “to each his own”, de 1946. O mesmo posso dizer do Paladin com seu disco Charge!, de 1972, o mesmo ano do disco do Quinteto Violado, “Asa Branca”, são poucas as diferenças.

Algumas capas pode ser homenagem mesmo. É o caso do Manowar, pois Fighting the World, 1987, é o disco mais “Kiss” do Manowar.

Existem muitas outras “coincidências”, mas creio que essas abaixo são bastante ilustrativas e interessantes.

The Beatles, A Hard Day´s Night, 1964 - Jeff Beck Group, Jeff Beck Group, 1972

Elvis Presley, 50.000.000 Elvis Fans, 1959 - Rod Stewart, Body Wishes, 1983

Status Quo, In The Army Now, 1986 - Canned Heart, Future Blues, 1970

Ken Griffin, “To Each His Own, 1946 - Roberto Carlos, Louco por Você, 1961

Accept, Balls to the Wall, 1983 - Wishbone Ash, There´s The Rub, 1974

Deep Purple, Abandon, 1998 Def Leppard, High N Dry, 1981

Kiss, Destroyer, 1976 Manowar, Fihting the World, 1987

Siouxie and the Banshees, Tinderbox, 1986 - Deep Purple, Stormbringer, 1974

Violeta de Outono, Mulher da Montanha, 1999 Al Di Meola, Flesh On Flesh, 2002

The Rolling Stones, Sticky Fingers, 1971 - Motley Crue, Too Fast for Love, 1981

Quinteto Violado, Asa Branca, 1972 Paladin, Charge!, 1972

Rory Gallagher, um guitarrista para ser sempre lembrado

2011-03-06T13:11:00.000-08:00

Recentemente morreu o excelente guitarrista irlandês Gary Moore, no dia 06 de fevereiro de 2011. Lamentei muito, ainda mais porque as novas gerações não são muito de cultuar guitarristas de blues – estilo que nem sequer tocam muito mais nas rádios. Mas lamentei muito mais pela grande mídia (a maioria) enunciarem que Moore foi o maior guitarrista irlandês. Sabemos que não é verdade, pois antes dele existiu Rory Gallagher.

Minha mente viajou no tempo, e lembrei-me ainda menino ouvindo os roqueiros mais velhos falando do lendário guitarrista irlandês, seus shows incendiários cheios de energia. Gallagher adorava o palco, gravou muito ao vivo, tanto que Irish Tour, de 1974, é considerado um dos melhores registros ao vivo.

Dono de uma voz privilegiada e fundindo virtuosismo e energia ao instrumento, fez álbuns que venderam mais de 14 milhões de cópias, mas a maldição do blues não o poupou: o punk e os modismos que o sucederam tornaram seu estilo fora de moda. Em 1995, quando morreu, mereceu apenas pequenos registros nos jornais. Infelizmente ninguém mais se lembrava do guitar hero.

Ele brilhou na já longínqua década de 70 e caiu no esquecimento a partir dos anos 1980; seus lp´s de alta qualidade não o levou a fama que ele tanta buscou e merecia; os solos de guitarra, com sua inseparável Fender Stratocaster – ela a adquiriu em 1962 numa loja de instrumentos usados - foram dos melhores que já ouvi.

Gallagher além do blues também tocava rock, baladas e folk (usando bandolim e gaita), chegou até fretar com o heavy metal, por influência da amizade com Roger Glover e quando foi gravar na Alemanha o álbum Photo –Finish e se enturmou com a banda Scorpions.

O video abaixo mostra a festa que era um show de Gallagher, época que não tinha área vip, seguranças e outras palhaçadas para atrapalharem as pessoas se divertirem

James Blunt – Some Kind of Trouble (2010)

2011-02-18T17:13:00.000-08:00

O terceiro álbum do britânico James Blunt foi gravado em seu próprio estúdio em Los Angeles, no entanto, ele encontrou inspiração em sua casa em Ibiza e Londres. Passou-se três anos após o enorme sucesso de seu antecessor (All The Lost Souls "), e foi antecipado pelo sucesso do single" Stay The Night '(que também abre o álbum). A produção foi compartilhada entre Blunt, Tom Rothrock e Linda Perry, a ex-vocalista do 4 Non Blondes e descobridora do artista Inglês.

"Some kind of trouble" é bem mais otimista do que seus dois trabalhos anteriores, as canções são mais animadas e menos melancólicas. O melhor exemplo da nova fase musical deste ex-soldado que deixou o exército britânico para se dedicar à música é Stay the Night, canção escrita com Steve Robson e Ryan Tedder do One Republic, na qual Blunt fala em cantar Billie Jean e misturar vodka com cafeína.

O artista Inglês disse que o processo de gravação de "Some Kind of Trouble" foi difícil. "Depois da última turnê, eu tentei compor no piano", diz ele, "Eu precisava ficar longe da música por um tempo”. Portanto o moço foi buscar inspiração em Ibiza, e parece que o sol de lá vez bem para ele. Pelas canções alegres, tudo indica que ele andou se divertindo muito por lá.

David Crosby – If I Could Only Remember My Name (1971)

2011-02-13T03:34:00.000-08:00

Nos anos 1970, quando você pegava o vinil capa-dupla desse primeiro trabalho solo de David Crosby, via que a Califórnia em peso estava participando do disco. Todas aquelas bandas ligadas à cultura das drogas, do “amor livre” e flower-power como Jefferson Airplane, The Greateful Dead, Neil Young, CSNY e Joni Mitchell se fazendo presente. Um comovente documento pós-hippie da geração bicho-grilo em ambientes surreais e ácidos.

Como é maravilhoso ouvir dois dos meus guitarristas favoritos (não virtuosos) em um mesmo álbum, Neil Young e Jerry Garcia, com solos econômicos e chapantes em Cowboy Movie e What Are Their Names. David conduz a viagem, começando pela mântrica “music is Love”, seguindo em êxtase, imbuído por estruturas soltas do acid rock e sussurros místicos.

Crosby soube unir em um único álbum os melhores músicos da costa oeste, pois sempre foi um cara com grande currículo de amigos. Aliás, foram eles que deram força a ele quando perdeu a namorada, Christine Hinton, em um acidente de carro - e as drogas ajudando-o a manter-se em pé. Há canções típicas de seu super grupo Crosby, Stills, Nash & Young como Laugting e Song With no Words. O álbum fecha com a sombria I´d Swear There Was Somebody Here, cantada a capela.

Recentemente, li que ele estava se referindo à reencarnação, com o título. O álbum foi gravado em San Francisco, Tenderloin, em 1970/71 e talvez seja um dos últimos discos gravados como se fosse uma comunidade, sem pretensões, deixando a coisa acontecer. Música é amor.

Pete Townshend – White City (A Novel) - 1985

2011-02-06T12:48:00.000-08:00

Quando foi anunciado que Pete Townshend iria lançar um álbum (uma ópera-rock) baseado nas lembranças de sua infância, em Londres, pensei: só pode vir coisa boa. Geralmente quando um artista resolve fazer algo assim, ele põe sua alma seu coração nas canções. A história fala de conflitos culturais, a tensão racial e as esperanças e os sonhos da juventude na década de 1960. Dizem que White City era um lugar muito ruim de se morar, bem perto de onde Pete cresceu.

Para quem não sabe quem é Pete Towshend, ele é o líder e principal compositor da banda The Who, e advindo da geração que tanto abusou de drogas e álcool, e tantas outras loucuras. Em seu caso particular, se livrou das drogas muito graças a seu guru Meher Baba – é aquele mesmo que a canção Baba ORiley, do álbum Who´s Next, foi dedicada.

Os singles desse disco são sucessivamente Give Blood, Secondhand Love e Face to Face, sendo que esta última foi um grande sucesso, inclusive no Brasil. A música White City Fighting surgiu de uma canção escrita por David Gilmour (Pink Floyd) para o seu segundo álbum solo, About Face.

The Radio Dept - Pet Grief (2006)

2011-01-27T15:14:00.000-08:00

A quantidade de bandas surgidas a partir dos meados da década de 1990 com sonoridade "anos 80" já não surpreende mais ninguém. Algumas são cópias mal-feitas do que existia; outras sabem tirar proveito dos sons daquela década maravilhosa e nos brindar com algo original e belo. Esse é o caso dos suecos do The Radio Dept que desde 2004 com o debut, Lesser Matters, tem nos deixados estupefatos com uma música alegremente triste.

Pegue o Pet Shop Boys, o OMD, New Order, o estilo de tocar guitarra de Robert Smith (The Cure) e bata no liquidificador e recheie depois com a sonoridade shoegazer das bandas indie da década de 1990. Temos então o The Radio Dept.

Johan Duncanson (guitarra), Martin Larsson (guitarra) e Daniel Tjader (teclados) compõem o trio de Estocolmo. Já lançaram três álbuns, incontáveis singles e EP´s. Eu poderia falar de qualquer outro álbum deles; não faria muita diferença: são todos maravilhosos.

Qual o estilo deles? Dream-pop? Pos-shoegazer ou apenas indie rock? Pouco importa o rótulo.

Donovan

2011-01-17T14:03:00.000-08:00

No começo ele era visto apenas como uma resposta inglesa a Bob Dylan, fazendo a linha folk de protesto; mas logo se tornaria uma espécie de arauto do psicodelismo

Donovan não é inglês, nasceu em Glasgow, na Escócia, em 10 de maio de 1946. Aos 10 anos, em 1956, se muda com sua família para Hatfield, Inglaterra. Influenciado pelo amor dos pais pela música folk escocesa e inglesa, começar a tocar guitarra aos 14 anos idade. Durante o verão de 1964, se muda para St. Ives, em Cornwall. Lá, ele aprendeu a tocar o folk tradicional e passa a se apresentar pelas ruas da cidade. Ao retornar a Londres, fica vários meses tocando em clubes locais, quando começa a compor suas primeiras canções.

No final do mesmo ano, ele consegue gravar uma demo com 10 músicas, incluindo a versão original de Catch the Wind, seu primeiro single. Durante a gravação conhece Brian Jones, dos Rolling Stones. Através dele, é apresentado à Linda Lawrence que se converteu em sua musa durante muitos anos. Seus confusos sentimentos em relação a ela, inspirou-o a escrever dezenas de canção como Legend of a Girl Child Linda, Season of the Witch, Catch the Wind, entre muitas outras.

Semanas depois de gravar a demo, o produtor do programa Ready Steady Go!, Elkan Allen ouve e fica impressionado com ele, convidando-o para se apresentar em seu programa. Desta forma Donovan faz sua estreia na televisão, em 30 de janeiro de 1965, com apenas 18 anos.

O single Catch the Wind foi lançado logo após sua aparição na televisão, e logo chega ao primeiro lugar das paradas britânicas. E consegue vender 200.000 cópias.

O estilo musical de Donovan, tanto quanto sua aparência física, lhe deu a oportunidade de ser promovido como uma versão inglesa de Bob Dylan. Para o bem ou para o mal, possibilitou-o de aproximar mais dos meios de comunicação e, portanto,tornando-se mais popular.

O segundo single do artista Colours alcança o quarto lugar no Reino Unido. Este foi seguido pelo lançamento de seu álbum de estreia, What´s Bin Did and What´s Bin Hid, que fica em 3º lugar nas vendas da Inglaterra e também entra nas paradas americanas. Assim, Donovan fez sua primeira viagem para aos EUA para tocar em New York. Durante esta viagem, ele aparece em vários programas de TV como The Ed Sullivan Show, Hullabaloo e Shindig!. Em seguida lança um EP que incluía a música Universal Soldier, cover de Buffy Sainte-Marie, um protesto contra a guerra do Vietnã.

Em 1966, Donovan entra em sua fase mais criativa. Surge o álbum Sunshine Superman, considerado um dos primeiros projetos de pop psicodélico, uma vez que contém referências ao LSD. Com este álbum consegue vender 800 mil cópias nos Estados Unidos em apenas seis semanas, alcançando o topo da lista. Nesse mesmo ano, em Londres, colabora com os Beatles na música Yellow Submarine.

No mesmo ano, aparece o single Mellow Yellow. A canção se torna um enorme sucesso comercial, e em 1967 vem o álbum como mesmo título, recebendo disco de ouro. No final do ano lança o álbum duplo A Gift from a Flower to a Garden.

Após viajar para a Índia, lança o álbum Hurdy Gurdy Man. A canção que dá título ao disco tem participação de Jimmy Page (Led Zeppelin) na guitarra. Dois meses depois vem o ao vivo Donovan in Concert. Em 1969, lança Barabajagal, que fecha sua fase áurea. Nele encontra-se o hit Atlantis, que no Brasil ganhou uma estranha versão do cantor Ronnie Von. Barabajagal também traz participação de Jeff Back, Ron Wood e Nicky Hopkins.

Donovan junto aos Beatles na Índia, em 1968

Donovan começa a década de 70 com o álbum Open Road. Um disco mediano que marca um declínio em sua popularidade. No ano seguinte, aparece com HMS Donovan, um álbum de canções para crianças que foi um fracasso. Em 1973, lança Cosmic Wheels. Este é considerado seu último grande sucesso. Ainda lança no mesmo ano Essence to Essence.

Ele passa a segunda metade dos anos 1970 lançando álbuns sem chamar muita atenção. Entre eles 7-Tease (1974) e o autointitulado Donovan (1978). Começa a década de oitenta com Neutron (1982). Um anos depois aparece com Love Is Only Feeling e Lady of the Stars, em 1984.

No início da década de 1990 com a efervescente cena rave no Reino Unido e uma canção dos Happy Mondays que o homenageia, Donovan é resgatado do anonimato. Também foi homenageado por Beck no título do álbum Mellow Gold, de 1994 e excursionou com Happy Mondays e conseguiu sucesso de crítica e público com o álbum Sutras (1996). O inspirado trabalho traz Dave Navarro (Jane's Addiction) tocando vários instrumentos como cítara elétrica, mellotron e piano. A década de 1990 também trouxe várias produções, a começar pelo álbum ao vivo que inclui novas apresentações de músicas clássicas, além de One Hight in Time (1993) e The Children of Lir (1996). Um ano muito produtivo para quem passou a década de 1980 praticamente sem fazer nada.

A partir do século XXI, houve pouca produção de material com músicas inéditas – Pied Piper e Celtia -, caracterizando mais por coletâneas. Donovan também fez a trilha sonora do filme Irmão Sol, Irmã Lua. Ele vive atualmente com sua família no condado de Cork, na Irlanda.

Curiosidades:
Donova criou o filho de Brian Jones, Julian Jones, após casar com sua ex-namorada, Linda Lawrence.

No álbum Sutras, há uma adaptação de um cântico do guru indiano Sai Baba. Mas Donovan segue hoje o budismo celta.

Donovan até hoje acredita que Maharishi Yogi, não era picareta. Para ele, era tudo intriga de um amigo de John Lennon, chamado Magic Alex.

Benjamin Biolay - La Superbe (2010)

2011-01-11T06:04:00.000-08:00

Os brasileiros não curtem tanto música francesa quanto os franceses curtem música brasileira – desde o surgimento da bossa-nova eles mantém antenados com tudo que rola em terras tupiniquins. Lembro que quando o Sterelab veio pela primeira vez ao Brasil, o líder Tim Gane, ao ser perguntado se conhecia música brasileira, foi logo dizendo que era fã de Chico Science & Nação Zumbi; isso nos idos de 1990.

Benjamin Biolay é um cantor, compositor, multi-instrumentista que segue a tradição chanson bem aos moldes de Serge Gainsbourg (aliás, sempre foi muito comparado ao mestre), ao mesmo tempo em que tem forte influência de rock e pop – principalmente inglês. Também já transitou pelo hip hop, jazz e folk.

Depois de transitar por esses vários estilos, Benjamin Biolay retorna à sua melhor forma em La Superbe. Tal como acontece com Négatif (2003), o músico e produtor francês lança um disco duplo ambicioso que traz climas intimistas e melancólicos (Ton Héritage, Miss Cagastrophe), um quase tributo ao New Order (Si tu suis mon regard) e boêmia parisina (The Addiction).

Como todos os cantores de sua geração, que abordam a chanson, Biolay é perseguido pela sombra de Serge Gainsbourg. Mas, ao contrário de seus colegas, é incólume de comparações, pois a força da elegância para mesclar arranjos orquestras com programações torna sua música distinta dos demais.

Beatles for Sale, um disco “menor” dos Beatles?

2011-01-07T08:14:00.000-08:00

Muitos fãs consideram este álbum o mais fraco dos Beatles – Yellow Submarine não conta; é trilha sonora do desenho animado. No trabalho anterior, A Hard Day´s Night, só havia canções próprias, deixando para trás a inclusão de covers de artistas que os influenciaram. No mesmo ano de A Hard Day´s Night, em 1964, sai Beatles for Sale, no final do ano, repleto de covers e músicas que ficaram “engavetadas”.

Os Beatles estavam à venda. No auge da Beatlemania o mercado estava infestado de souvenirs da banda: perucas, chicletes, cadernos, bonecos e bottons dos rapazes; portanto, justifica-se o título do álbum. Era o começo do cansaço que a exposição e a fama traz. A capa do disco reflete bem a situação com o rosto sério e cansado deles.

Mas Beatles for Sale é um disco ruim? Longe disso, eles não têm disco ruim, nem o citado Yellow Submarino o é. Os covers são magníficos, incluí uma faixa de Chuck Berry (Rock and Roll Music), uma de Leiber e Stoller (Kansas City), uma de Little Richard (Hey, Hey, Hey), uma de Buddy Holly (Words of Love) e duas de Carl Perkins (Honey Don´t e Everybody´s Trying To Be My Baby), todas gravadas às pressas perto do fim das sessões.

É o primeiro disco deles a incluir músicas acústicas (I´ll Follow the Sun) e letras mais pessoais (I´m Loser). Influência de Bob Dylan - os Beatles estavam loucos por ele. Paul tinha ganhado o LP The Freewheelin Bob Dylan e os quatro passavam horas ouvindo-o.

Foi nessa época que eles se iniciaram à maconha, antes eram apenas os comprimidos que conheceram na fase de Hamburgo, Alemanhã. Foi outra influência de Dylan – ele achava, até então, que os Beatles fossem “maconheiros”. Tudo porque ele compreendeu a letra de I Want to Hold Your Hand errada. Em vez de entender I can´t hide, pensou que fosse I get high.

Buscando a iluminação pela guitarra

2010-12-29T14:56:00.000-08:00

Se grandes guitarristas como Carlos Santana, John McLaughlin têm direito de dedicar suas músicas aos seus gurus, J Mascis também tem sua vez. O exímio guitarrista e líder do Dinosaur Jr, dentre seus vários projetos fora de sua banda oficial, dedicou seu Mascis J and Friends Sing and Chant for Amma (2005) a sua guru Sri Mata Amritanandamayi Devi.

Amma (como é mais conhecida) é uma líder espiritual e humanitária que tem dedicado sua vida aos necessitados. Ficou muito popular no mundo todo por ter o costume de abençoar seus discípulos por meio de um abraço afetuoso. Por isso também é conhecida como “Santa dos Abraços”.

Mascis é devoto de Amma desde a década de 1990. Ele já havia dedicado uma canção a ela em seu projeto The Fog. Sing chant for Amma é uma coleção de canções devocionais perpetradas pela guitarra de J Mascis. Todo o rendimento do álbum foi doado para as vítimas do tsunami. Portanto, abracem este álbum.

O dia em que Mick Jagger levou um soco de Charlie Watts

2010-12-19T03:36:00.000-08:00

Não li ainda o recém-lançado livro “Vida”, biografia de Keith Richards. Li alguns trechos e entrevistas com ele e, portanto, comparando com várias biografias sobre o Rolling Stones, Mick Jagger e Brian Jones, muitas informações não batem.

É um livro de memórias, escrita em parceria com James Fox e é bem possível que Richards possa estar zoando de tudo mundo (até dele mesmo). Tolo é quem comprar o livro e aceitar tudo como verdade. Não que eu duvide de todos os relatos, mas não sejamos ingênuos.

E a história do soco que Charlie Watts deu no Mick Jagger? Não sei se está no livro, na dúvida, eu conto.

Tudo mundo sabe - pelo menos os fãs - que Charlie Watts (não é a cara do Brucutu?)sempre foi o cara mais “careta” dos Stones, mesmo quando viviam o auge da “contracultura”, com o abuso de tudo que é tipo de drogas, Watts no máximo fumava um cigarro de maconha. Muito mais fã de jazz do que de rock, sempre usando roupas impecáveis, o sereno baterista tem lá seus limites de paciência.

Aconteceu em Amsterdam, quando Keith Richards e Mick Jagger saíram para beber e Mick ficou de porre. Às cinco horas da manhã voltaram para hotel e Mick telefona para Charlie: “Cadê meu baterista? Desce logo aqui, porra!” Isso é uma coisa que você não faz com Charlie Watts. Até que vinte minutos depois, batem na porta. E aparece Charlie Watts vestido com um belo terno, de colete, barbeado, sapatos engraxados, penteado. Ele diz: “Nunca mais me chame de seu baterista!” E dá um belo soco em Mick.

Infelizmente, Mick estava usando um paletó de casamento emprestado por Richards. A janela estava aberta, ao lado havia uma mesa comprida, com um bufê de salmão. E lá fora, lá embaixo, tinha um canal. Com a força da porrada, Mick saiu deslizando pela mesa - com paletó de Richards! - em direção à janela, prestes a cair no canal. Se não fosse pelo paletó, Keith Richards deixaria Mick cair lá fora. Segurou-o a tempo.

Basia Bulat - Heart of My Own (2010)

2010-12-17T02:21:00.000-08:00

A jovem cantora de Ontário, Basie Bulat, em seu segundo álbum enriquece sua música com auto-harpa, banjo, ukulele e sinos comandados pela sua voz rica com vibrato

Desta vez a moça buscou inspiração em lugares aprazíveis. Durante uma parada da turnê de 2008, ela e seus companheiros de banda deram um tempo em Dawson City, Yukon, no Canadá. De acordo com Bulat, o calor dos habitantes e as belas paisagens provocaram-lhe um surto de criatividade, o que lhe permitiu escrever a maioria das canções durante a sua estadia de uma semana.

Enquanto Yukon proporcionou uma revitalização artística para Bulat, muitos dos elementos do indie folk como auto-harpa e letras introspectivas, a partir de seu álbum de estréia, ainda são predominantes em Heart of My Own. Howard Bilerman (Godspeed! You Black Emperor, Arcade Fire) que trabalhou em Oh, My Darling, retorna novamente como produtor.

A grande diferença deste novo álbum em relação ao anterior – Oh, My Darling - é que este é muito mais folk (principalmente celta) do que pop - o que fica evidente no primeiro single, Gold Rush. Os violinos comandam grande parte das canções, seguidos por auto-harpa, piano e ukulele (tipo cavaquinho). Aliás, quase não há violão nas novas composições, Bulat dedicou-se muito mais a auto-harpa.

A música que mais lembra o álbum anterior é a pop Walk You Down. Na balada Once More, For The Dollhouse, Bulat mostra todo seu belo e forte vocal (há quem diga que parece com a de Tracy Chapman). Destaca-se, também, outra sensível canção, If It Rains guiada por belos sons de sinos. É um disco envolvente, que conquista o ouvinte aos poucos revelando os seus tesouros lentamente. Este coração é de ouro.

The National - High Violet (2010)

2010-12-14T13:34:00.000-08:00

Desde Alligator, os membros do The National vêm explorando a mesma linha de sons obscuros e solenes, e cada vez mais com melhores resultados. Uma mostra disso se encontra no novo álbum, High Violet, lançado em 10 de maio de 2010. A banda aposta na perfeição.

Neste novo trabalho pode-se ouvir o mesmo som rock-pop das tentativas anteriores, somente construído a partir de grandes arranjos orquestrais e camadas de instrumentos. É notória a intenção do grupo em elevar o nível das apostas e deixar de lado o clima soturno da produção anterior e ir por um caminho menos restrito e mais aberto.

“Terrible Love”, a faixa de abertura, já mostra o nível do disco, no qual metais e coros se unem para aumentar gradualmente a intensidade da música, levando a um resultado surpreendente. Neste mesmo segmento encontra-se “Afraid of Anyone”, em que os coros e arranjos de Sufjan Stevens combinam com o ritmo contundente.

No caso de “Runaway” é a orquestra que conduz a canção, produzindo um belo fundo de melancolia latente que parece sustentar a frágil e emocional voz do cantor Matt Berninger. “Vanderlyle crybaby Geeks” é de uma beleza sem igual, Conversation 16 segue o mesmo caminho.

A banda já deixou claro que suas influências vão de Joy Division a Bruce Springsteen, mostrando sintonia com seus contemporâneos Interpol e Editors. Vindos do Brooklyn, EUA, este quinto trabalho foi gravado no Brooklyn, Nova Iorque, na garagem do guitarrista Aaron Dessner, tem participação de Sufjan Stevens, Richard Reed Parry (Arcade Fire) e Justin Vernon (Bon Iver), entre outros. O álbum tem sido considerado pela imprensa como uns dos melhores lançados este ano e com razão.

High Violet é um trabalho que mantém o ritmo e a qualidade do início ao fim. Bem feito e muito mais intenso do que seus antecessores. Em suma, é um álbum agradável como um todo e que certamente estará entre os melhores lançamentos de 2010. O álbum anterior, Boxer, pode ter consagrado a banda na cena indie, mas com High Violet abre-se o caminho à banda ao estrelato.

John Lennon, um ídolo para nunca ser esquecido

2010-12-08T05:41:00.000-08:00

Há 30 anos, Mark David Chapman assassinava o ex-Beatle com vários tiros na porta de sua residência em New York

Desde o nascimento de seu filho, Sean, em 1975, John Lennon deixou a música com a idéia de se dedicar a vida familiar, que era uma promessa que John fez a Yoko Ono para convencê-la a ter um filho após um par de abortos. O cantor teria se encarregado dos cuidados de Sean. Até então, John não tinha passado muito tempo com sua família, nem com seu primeiro filho, Julian. Desta vez, o músico queria que tudo fosse diferente.

Após três anos de afastamento musical, John Lennon regressou com o álbum Double Fantasy, em novembro de 1980. O álbum foi recebido com muito interesse pela mídia, devido o longo silêncio artístico. Afinal, era um novo trabalho de um dos maiores músicos do século 20. Com a morte de Lennon, apenas um mês após seu lançamento, Double Fantasy chega ao primeiro posto das listas de vendas.

O último dia de John
Na manhã de 08 de dezembro de 1980, seria igual a muitos outros dias na vida de John Lennon. O músico começara o dia respondendo a diferentes meios de comunicação; mais tarde cortara o cabelo e enviaria uma foto para Annie Leibovitz, da revista Rolling Stones.

As cinco da tarde, John e Yoko chegaram ao estúdio da rua 54 para trabalhar nas canções do próximo disco. Ao sair do Dakota, Lennon teria o primeiro encontro com seu assassino. O cantor havia autografado uma cópia de Double Fantasy. Quando o casal voltou para casa às 22:30, Chapman esperou-os – parece que Lennon o reconheceu como o rapaz do autógrafo - Yoko Ono já ia entrando no prédio quando Chapman disparou cinco vezes sua Charter Arms calibre 38 em John. Ele ficou agonizando na porta de entrada do prédio, para desespero de Yoko Ono. Um casal de policiais levaram-no ao hospital Roosevelt, onde certificaram de sua morte às 23:15 de 8 de dezembro.

O dia depois
A notícia da morte de John Lennon correu o mundo em poucas horas, as lágrimas de todos os fãs se multiplicaram junto ao sonho de John de um mundo melhor. Milhares de pessoas se reuniram em frente à casa do ex-Beatle. O corpo de John foi cremado e as cinzas, dias mais tarde, foram entregue à sua viúva. Yoko Ono anunciara que nenhum funeral seria realizado e pediu aos fãs para que se reunissem no Central Park, no dia 14 de dezembro, para orarem e compartilharem dez minutos de silêncio. Mais de duzentas mil pessoas participaram do evento em Nova York, suas cinzas foram espalhadas no parque, e outros tantos tributos foram realizados em outras cidades e no mundo inteiro.

JOHN LENNON "Mind games" par Yann
Enviado por yannos80. - Veja mais vídeos de música, em HD!

Tracy Chapman - Tracy Chapman (1988)

2010-12-05T03:38:00.000-08:00

Uma cantora simples vinda do circuito folk de Massachussets, negra e com um vozeirão, de repente ganha o mundo com o hit radiofônico Baby, Can I Hold You, em 1988.

Tracy Chapman fez grande sucesso com seu auto-intitulado disco de estréia, fazendo com que se tornasse um dos dez discos mais populares de toda a história da gravadora Elektra. Só nos EUA foram vendidas mais de três milhões de cópias. O sucesso atingiu também a Europa, vendendo horrores na Holanda, Alemanha e Bélgica. O Brasil também não ficou de fora, a canção Baby Can I Hold You, entrou em trilha de novela da Rede Globo e, logo, as rádios não paravam de tocá-la. Na cola vieram os sucessos Fast Car e Talkin´Bout a Revolution. No mesmo ano foi capa da revista Rolling Stones, lugar onde uma mulher negra não era vista há anos.

Depois da surpresa e da badalação dessa cantora “vinda do nada” com suas canções sobre racismo, violência urbana, revolução e injustiça social, veio à prova do segundo disco. Crossroads (1989) não repetiria o sucesso. Com uma produção refinada, Tracy esqueceu que a beleza de sua música estava na simplicidade do violão e voz. Levada world music, blues, gospel, tudo em meio a teclados, violino e percussão. Não vingou. Tracy Chapman saía do mainstreen.

Ela continua lançando discos esporadicamente. A música não mudou muito, mas é o suficiente para manter um público fiel que não liga para modas passageiras. O problema do “desaparecimento” de Tracy é que rapidamente ela entrou para a turma do “vamos salvar o mundo” em luta pelos direitos humanos, participando de shows de igual para igual com astros do porte de Bruce Springsteen e Peter Gabriel. Sua exposição na mídia fora muito rápida, fazendo que se esperasse muito de uma moça que só queria tocar suas canções, que até então, era apenas uma cantora de rua.

Hoje o mundo musical mudou e para fazer sucesso acontece bem o contrário; é a exposição na mídia que mantém o artista no mainstreen, e para isso haja “escândalos”, declarações “bombásticas” e rebolados em videoclips, e com sorte encontrar um produtor descolado e um DJ antenado para fazer o remix de seu último hit.

Cheiro de coisa velha

2010-11-27T16:01:00.000-08:00

Elton John & Leon Russell – The Union (2010)

Elton John declarou que não quer mais fazer música pop e Leon Russell andava sumido, agora ambos têm a oportunidade de retomar suas carreiras em alto nível

Elton John - É notório que Elton John há anos não consegue dar uma repaginada em sua carreira; um sujeito que lançou álbuns impecáveis nos anos 70, conseguiu manter-se nas paradas de sucesso na década seguinte, mas a partir de 1990 musicalmente foi decaindo. Ele até acreditou que o disco de 2006, the Captain & The Kid, seria um sucesso, mas foi um fracasso comercial.

Leon Russell - Ele sempre foi avesso ao sucesso. Pouco conhecido no Brasil, sua música sempre transitou entre o blues, o gospel e o folk. Fez grande sucesso no início dos anos 1970. Tanto que quando Leon veio ao país pela primeira vez, foi anunciado como “o som dos anos 70”. Tocou teclado em discos de Phil Spector e The Beach Boys, gravou álbuns solos e compôs clássicos como “A Song for You”, “This Masquerade”, “Superstar” e "Delta Lady”. No final da década de 70 sua carreira estava definhando, em parte devido a seus problemas de saúde, mas continuou se apresentando ao vivo.

A União – Elton John nunca negou ser fã de Leon Russell, que o influenciou muito no início de carreira. Tudo partiu de Elton John por meio de uma ligação telefônica da África – ele estava em um safari. Algo que deve ter surpreendido Russel, pois não se falavam há 35 anos. Além das letras de Bernie Taupin, traz participações de artistas de alto nível como Brian Wilson e Neil Young.

The Union é um álbum muito bom, e diferentemente de encontros de grandes artistas que quando se unem entram naquela de regravações de velhos clássicos, Elton e Leon preferiram trabalhar apenas com canções novas, mostrando que realmente se uniram para fazer música.

Dois artistas que tiveram o auge de suas carreiras nos anos 70, e, portanto, não teria como The Union não ter cheiro de coisa velha. Isto não é uma crítica e sim elogio. Todas as canções são muito boas. A união faz a força.

Paul McCartney, mais vivo do que nunca

2010-11-20T08:18:00.000-08:00

A recente tour de Paul pela América do Sul, tem provado que o sujeito está bem vivo. Com quase 70 anos de idade, McCartney ainda tem fôlego incrível para shows. Tudo indica que com esta última vinda, o sucesso tem sido bem maior. Acontecimentos inusitados não faltaram, como o autógrafo no braço de uma fã, que virou tatuagem, em Porto Alegre e um fã argentino lhe deu de presente um baixo feito artesanalmente por ele.

James Paul McCartney vem de uma família de classe média baixa empobrecida pela guerra, dois meninos órfãos criados por um pai solitário e introspectivo, James McCartney, comerciante de algodão, que havia largado a escola no ginásio e tinha o sonho de mandar os dois meninos para a universidade - até a morte prematura de sua mulher, Mary Patrícia Mohin, deixando-o não apenas sozinho, mas sem dois terços da renda familiar.

O jovem Paul, que assistia as aulas de piano sem muito entusiasmo quando era criança, além de tocar trombeta que ganhou de seu tio Jack, aprendeu a gostar de música sob a influência de seu pai que fazia parte de um grupo de jazz amador chamado Jim Mac´s Jazz Band. Aos 14 anos, Paul compôs sua primeira canção, “I lost my little girl”, após ganhar uma guitarra de seu pai. Logo entraria para uma banda de skiffe chamada The Quarrymen, liderada por John Lennon. "Eu sei cantar igual a Little Richard", foi seu argumento para entrar na banda.

Em 11 de abril de 1970, Paul, sem a autorização dos outros membros dos Beatles, anuncia oficialmente o fim do Fab Four. Logo lançaria seu primeiro álbum solo, “McCartney” (1970), que atingiu o número 1 das paradas dos EUA e número 2 na Grã-Bretanha, graças a canção “Maybe I´m Amazed”, a preferida de Liza Minnelli e uma de suas melhores canções. Antes desse álbum, ele já havia composto a trilha sonora de “Lua de Mel em Família” em 1967.

Seu segundo disco solo “Ram” (1971) traz a música “Uncle Albert/Admiral Halsey”, um clássico. O trabalho é assinado em conjunto por Paul e Linda, sua recente esposa. E é com ela que ele monta o Wings. Além de sua mulher, fazia parte o ex-Moody Blues, Denny Lane e o baterista Denny Seiwell. O álbum seguinte, Wild Life (1971). não faz tanto sucesso quanto os anteriores, chegando apenas ao número 11 na Grã-Bretanha. No entanto, em 1973, com o álbum Red Rose Speedway, vem o grande sucesso “My Love”, que chegou em primeiro lugar no EUA, e no mesmo ritmo a canção “Live and Let Die” para um filme de James Bond.

Chega-se o auge do Wings com o LP “Band on the Run” (1973), gravado na Nigéria. Nele se encontra uma das canções mais lindas dos anos 1970, a música que dá título ao álbum. Outro sucesso é Jet. Em "Let Me Roll It" ele prestava uma homenagem carinhosa a John Lennon. A delicada "Bluebird" remonta a tradição das baladas acústicas de Paul e é uma espécie de visão mais otimista de "Blackbird". Nem todos gostaram – chegou a ser vaiado em shows ao tocá-la, pois muitos a considerava uma imitação mal feita de Blackbird.

A segunda metade dos anos 1970, o sucesso não se repete, embora haja bons álbuns - Speed of Sound (1976) e London Town (1978). O Wings despenca em 1979 e a prisão de Paul no Japão por posse de maconha só reforçou McCartney a decretar o fim da banda.

Paul abriria a década com seu McCartney II (1980) e de cara traria o hit Coming up. O sucesso radiofônico se completa com o excelente Tug of War (1982), produzido por George Martin e dueto com Stevie Wonder (Ebony and Ivory). Parceria com outros famosos deu certo, e se repetiria no disco seguinte, Pipes of Peace (1983), desta vez com Michael Jackson (say say say). Depois Paul praticamente despareceria do cenário musical. Trabalhos insignificantes vem em seguida, até ressurgir com Flowers in the Dirt (1989). Ótimo trabalho e com novo parceiro, Elvis Costello.

Na década de 90, McCartney tentava sem muita sorte com a música clássica e, ocasionalmente, iria gravar novos álbuns, como Off the Ground (1993), o magnífico Flaming Pie (1997) e a compilação de covers de rock clássico, Run Devil Run (1999).

No novo século manteve o nível com Chaos and Creation in the Backyard (2005), nele encontra-se a linda canção This Never Happened Before, que faz parte da trilha sonora do filme A Casa do Lago (The Lake House); seu último álbum de estúdio, Memory Almost Full (2007), também não decepciona.

Khan – Shanty Space (1972)

2010-11-11T14:30:00.000-08:00

Este é um álbum essencial, típico da cena de Canterbury, Inglaterra – movimento que surgiu na segunda metade dos anos 1960, visando dar referência aos grupos que se desenvolveram ao redor (ou a partir) do Soft Machine. Khan é um desses grupos malditos que só gravaram um álbum e que por falta de apoio de gravadora desapareceram. Como toda boa banda de Canterbury, o som era calcado no jazz e rock progressivo. A grande diferença, é que esta banda tem influência de hard rock, algo bem incomum nesse meio.

Em agosto de 1968, o guitarrista Steve Hillage deixa a banda Egg (Uriel, anteriomente) para ir estudar na Universidade de Kent. Em finais de 1970, regressa a Londres e forma sua banda Khan, já com um repertório suficiente de canções. O primeiro membro que Hillage reclutou para o Khan foi o baixista Nick Green Wood, seguido pelos seus futuros colegas Eric Peachey (bateria) e Dick Henningham (teclados) graças à amizade que Steve fez com Caravan, Khan conseguiu assinar contrato com a gravadora Deram.

No final de 1971, a banda já se preparava para entrar em estúdio e gravar seu primeiro álbum, tempo suficiente para Henningham deixar o grupo. Para resolver o problema, Hillage procurou seu velho amigo da banda Egg, Dave Stewart, para tocar no disco, que aceita de bom grado. Stewart é um dos tecladistas favoritos da cena de Canterbury e seu trabalho neste álbum é altamente apreciado por seus seguidores.

Em junho de 1972 Greenwood abandona o barco, sendo substituído por Nigel Griggs (que mais tarde iria se juntar ao Split Enz), coincidindo com o fim da banda Egg, um mês antes; desta maneira Dave Stewart se mantém como integrante fixo em tempo integral, porém esta formação não durou. Um tempo depois, Hillage decide se juntar a banda de Kevin Ayers para shows na Inglaterra e França, e logo junta-se ao Gong. Um fato interessante: o baterista original do Khan não era nada mais e nada menos que Pip Pyle, que também se juntou ao Gong.

Assim se encerra a curta carreira do Khan. Como diz o velho ditado: o que é bom, dura pouco.

Sob o signo da morte

2010-10-30T07:19:00.000-07:00

A morte é um mistério para grande maioria das pessoas, mesmo que as religiões deem explicações sobre o “outro lado”, sempre fica uma dúvida, um frio na barriga quando a hora chega. A morte nivela a todos: ricos, pobres, famosos, intelectuais, artistas etc. Por ela ter esse poder, nós preferimos acreditar que nosso ego continua após a nossa transição; o fim do “eu” é inadmissível para muitos, principalmente para os egocêntricos.

É sob o signo da morte que Ivo Watts-Russell, proprietário e fundador do selo 4AD, nos anos 80, criou o projeto This Mortal Coil, no qual bandas do próprio selo levava-nos para um mundo de mistério e melancolia. A maioria das canções era de autores finados cuja vida foi marcada pela tragédia - Syd Barrett, Tim Buckley, Chris Bell, Gene Clark – rearranjadas por músicos pertencentes a bandas como Dead Can Dance, Cocteau Twins, Wolfgang Press, Colourbox, Shelleyan Orphan, entre outros.

O This Mortal Coil deixou-nos somente três álbuns – It´ll End in Tear (1984), Filigree & Shadow, (1986), Blood (1991) –, mas foi o suficiente para criar um estilo, o ethereal wave (ou darkwave), que seria muito bem desenvolvido mais tarde pelo selo alemão Hyperium com a coletânea Heavenly Voices, levando os sons atmosféricos a outros níveis.

John Cougar - American Fool (1982)

2010-10-24T15:43:00.000-07:00

Entre 1982 a 1985, John Cougar fez um sucesso tremendo aqui no Brasil. Tocava muito nas rádios e sua popularidade era enorme. Com o tempo ele foi sendo esquecido, sendo que a atual geração praticamente sequer ouviu falar nele.

American Fool, seu sexto álbum e último como John Cougar (passaria a assinar como John Mellencamp), foi sua porta de entrada para o estrelado, com vendas enormes e atingindo o número 1 da Billboard, em grande parte graças ao single “Jack & Diane”, uma simples história de amor adolescente. Outro grande sucesso foi a canção Hurts So Good, música que ganhou videoclip e passava muito em alguns programas de música (a MTV estava surgindo no EUA e no Brasil só apareceria na década de 90).

John Mellencamp começou sua carreira no final dos anos 70 (seu primeiro álbum, de 1976, foi um fracasso comercial), mas aos poucos sua popularidade foi aumentando, principalmente a partir do início de 1980, aproveitando a força da música de Bruce Springsteen e a lacuna aberta por gente como Bob Seger, a quem ele se juntou a muitos elementos em comum; sua carreira progrediu, a música tornou-se mais pessoal. O desenvolvimento de uma combinação específica de folk rock e hard rock, influenciaria gente como Bon Jovi.

Sua popularidade estendeu até o álbum Scarecrow (1985), um trabalho que abordava temas sociais, e desfilava uma maior variedade de estilos, resultando sucesso de crítica e alcançando os primeiros lugares nas paradas. Após esse álbum, ele voltou-se mais para as atividades sociais, organização de ajuda aos agricultores, juntamente com Willie Nelson e Neil Young. Ele também ficou conhecido por sua postura antiempresarial, ao recusar ofertas de patrocínios de marcas de cigarros e cerveja.

Coeur de Pirate - Coeur de Pirate (2008)

2010-10-10T06:56:00.000-07:00

Coeur de Pirate é o projeto solo da canadense Béatrice Martin. Uma bela moça, tatuada, com voz e rosto infantil, que encanta com seu piano (toca desde os três anos) e canto francês. A canção Comme des Enfants é a música que a projetou e fez com que ganhasse o prêmio Victoires de La Musique (uma espécie de Grammy francês).

Este seu primeiro álbum é bem diferente de seu projeto anterior (December Strikes First) no qual a moça era apenas a tecladista. Aqui o que se ouve não é rock, é um indie-pop com tons eruditos (principalmente as instrumentais) que encantam já na primeira audição. Seu canto infantil lembra bastante o de Joanna Newsom, só que esta toca harpa em vez de piano.

Béatrice também chegou a integrar a banda Bonjour Brumaire; não ficou por muito tempo e saiu para se dedicar ao Coeur De Pirate. Atualmente, ela tem outro projeto, o Pearls, mais direcionado ao folk e cantado em inglês. Existe uma gravação dela junto ao cantor francês Julien Doré (clique aqui pra ver o clipe) e a regravação de True Color (Cyndi Lauper)

Aos 21 anos e vários projetos, é como Coeur de Pirate que Béatrice mostra todo seu talento, conseguindo algo muito difícil: transitar entre a música francesa tradicional, o folk indie e o erutido. Não é para qualquer um.

Comme dês enfants tornou-se um hit, principalmente nos países de língua francesa

Sambassadeur - European (2010)

2010-10-07T15:19:00.000-07:00

Com apenas alguns discos este quarteto de Gotemburgo tornou-se um dos mais interessantes da fecunda e inesgotável cena indie-pop sueca

Baseado no nome de uma canção de Serge Gainsbourg (Le Sambassadeur), a banda sueca Sambassadeur foi formada em 2003 por Joachim Läckberg (guitarra e vocais), Anna Persson (vocal e guitarra), Tolergård Daniel (baixo) e Permbo Daniel (vocal e guitarra). Depois do aclamado "Sambassadeur"(2005) e"Migração"(2007), regressam com "European", seu terceiro álbum, que é o trabalho mais extrovertido, provavelmente resultante da confiança e da experiência adquirida nos últimos anos. Uma obra com grande capacidade de transmitir emoções, tudo sob suaves texturas orquestrais adornada pela voz carismática e inspiradora de Anna Persson que, por sua vez, está cantando lindamente.

Não sei o que tem na água de lá, por ter tantas bandas de indie-pop fazendo músicas maravilhosas. Desde que surgiu o Club 8, não tirei mais a atenção da Suécia. European não tem a quantidade de hits fáceis de seu predecessor, mas compensa com arranjos maravilhosos e um cadenciamento ao longo das 9 faixas é admirável. Outra coisa que podemos reparar é a alegria com que a banda está tocando agora, uma alegria contagiante que possibilita o experimento de vários instrumentos ao longo do disco e que resulta num indie-pop rico e feliz. No entanto, tem uns momentos melancólicos como em High and Low e a instrumental A remote view que lembra bastante Madredeus.

The School - Loveless Unbeliever (2010)

2010-10-04T16:45:00.000-07:00

Indie pop com forte influência dos anos 60

Essa banda de Cardiff (País de Gales) é assumidamente pop, mas aquele pop baseado lá nas girls group da Motown dos anos 60 - The Ronettes, The Shirelles, The Supremes – e também com boa influência de sunshine pop. Portanto, fique à vontade para ouvir delícias como Let It Slip, Is He Really Coming Home, I Want You Back, All I Wanna Do e I Don´t Believe in Love.

“Loveless Unbeliever” é o primeiro trabalho da banda, antecipado por vários EP´s e singles. A música deles não tem nada demais. Não é vanguarda, não é o artísta do momento, não é a “nova promessa” musical; é por isso que a banda, e nós também, fica descompromissada para tocar a frente seu pop agridoce sem ter que provar nada para ninguém.

A produção ficou a cargo de Ian Catt (Saint Etienne, Trembling Blue Stars e The Field Mice). Muitas vezes comparados com seus colegas de gravadora (Elefant Records), os escoceses Camera Obscura, no entanto, The School também tem algo de Belle & Sebastian - mas que banda indie do Reino Unido hoje que não tenha influência deles? o mesmo digo da influência dos Strokes no cenário norte-americano.

O que é surpreendente sobre este álbum é como The School consegue cantar sobre temas tão bem gasto de uma maneira que faz com que pareça uma descoberta. Este é um álbum para se apaixonar.

Secos & Molhados

2010-09-22T15:18:00.000-07:00

A época em que três seres esquisitões invadiram e conquistaram o Brasil

Quem tem menos de 50 anos hoje, talvez pouco saiba ou se lembre da repercussão do trio Secos & Molhados teve no início dos anos 70. Um fenômeno musical que passou como um furacão – muito maior que o RPM, nos anos 80 ou Mamonas Assassina, nos anos 90. Em 1973, só dava Secos & Molhados nas rádios, tanto que Roberto Carlos havia sido deposto do trono, depois de anos, em vendagem de álbuns. O rei tinha sido superado por três sujeitos que haviam surgido praticamente do nada (para muitos, de outro planeta).

O Brasil ainda não tinha uma banda glitter, e muito menos que usasse maquiagem (sem saber que nos EUA o Kiss partia para o mesmo caminho). Mas o Secos & Molhados estava mais em sintonia era com o rock do Roxy Music, T. Rex e New York Dolls, embora com um diferencial: a mistura do rock com a MPB, o rebolado único de Ney Matogrosso e, principalmente, a sua voz que tem um timbre difícil de definir. Enquanto os outros dois apenas pareciam andróginos, Ney era um misto de Ziggy Stardust (personagem criado por David Bowie em sua fase glam) com Carmen Miranda. Além das letras muito esquisitas para época.

O sucesso fenomenal atrapalhou a cabeça dos rapazes, principalmente a de João Ricardo, líder e letrista, que em sua pretensão chegou a declarar à época: "Houve um grande estouro nos EUA, com Elvis Presley. Depois, outro na Europa, com os Beatles. O próximo teria que vir daqui, porque lá fora ninguém tem mais nada a dar". Apesar de excelente letrista (quase todas as letras eram dele) quem chamava atenção mesmo era Ney Matogrosso que aos poucos gostava menos do rumo descontrolado que o sucesso estava proporcionando-os. Não demorou muito para tudo se perder após a gravação do segundo disco, em 1974.

Depois da separação, Ney Matogrosso seguiu para uma prolífica carreira solo (mais voltada para a MPB), João Ricardo tentou voltar com a banda várias vezes, sempre incluindo um clone mal feito de Ney no vocal, sem nunca conseguir fazer sucesso. Gerson Conrad tentou carreira solo ao lado de Zezé Motta e depois abandonou a música.

Club 8 - The People´s Record (2010)

2010-08-24T14:46:00.000-07:00

Club 8 muda o estilo e põe todo mundo para dançar com muita batucada

Muitos fãs hão de se sentir decepcionados com o novo trabalho do duo Club 8. O dream-pop mezzo eletrônico fofinho sai de cena para entrar ritmos africanos repletos de percussão e coros, como havia já precipitado no single Western Hospitality.

Johan Angergard e Karolina Komstedt se atreveram bastante desta vez – semelhante ao Keane que também recentemente invadiram outras praias. A batucada impera no álbum todo; sendo que em alguns momentos lembra até Paralamas do Sucesso em sua fase “Selvagem”, no melhor estilo “alagados”. Seria uma influência da viagem que fizeram ao Brasil em busca de inspiração? Pois há até uns pseudosambas: Shape Up!, Be Mad, Get I´ll, Be Still. Embora, a influência de bossa nova sempre se fez presente no Club 8.

Mesmo com todo o ritmo frenético e coros alegres, ainda existe um quê de melancolia; que sempre foi uma característica do duo sueco. Isso prova que a personalidade da banda continua intacta mesmo trabalhando, pela primeira vez, com um produtor mais “descolado”, Jari Haapalainen (The Concretes, Ed Harcour, Camera Obscura).

Eu gostei? Estou dançando até agora.

Bob Dylan - The Freewheelin´ (1963)

2010-08-06T15:25:00.000-07:00

As canções de Bob Dylan se confundem com a história da música pop do Século XX. Sua influência – principalmente se tratando de letras – é incomensurável. Bob é um poeta. Não é à toa que ele é o artista mais regravado até hoje. Mesmo aqueles que não gostam de sua voz fanhosa, reconhecem-no como compositor talentoso.

Se Dylan começou timidamente, em 1962 – era quase um clone de seu ídolo Woody Guthrie -, com seu disco homônimo, foi em The Freewhelin´ que ele se revelou o “porta-voz de uma geração”. Nele encontram-se algumas canções emblemáticas – Blowin´in the Wind, A Hard rain´s A-Gonna Fall, Master of War – que ignoravam a embalagem colorida da sociedade americana. Bob Dylan falava de guerra, racismo e temor nuclear.

Se o primeiro trabalho não vendeu nada, o segundo, contudo, denunciava o talento de compositor. Sim, ele deixou a sombra de Woody Guthrie, e passou a confiar em seu próprio taco.

A capa de The Freewhelin´ é provavelmente a mais legal de Dylan. Lá está Bob e sua namorada Suzy Rotolo (passei anos achando que era Joan Baez) com quem ficaria por um longo tempo. Esta foto antológica foi tirada por Don Hunstein, um fotógrafo que era contratado pela Columbia, e costumava trabalhar com artistas de jazz.

Assim, numa manhã friorenta de fevereiro de 1963, ele sugeriu que Dylan e Suzy caminhassem pela região de 161 West Fourth Street, no centro de Manhattan, perto de onde moravam. Por coincidência, o estúdio de Hunstein ficava perto. De braços dados e sorrindo discretamente, Bob e Suzy parecem estar alheios a tudo, aparentemente indiferentes aos carros que passam ao lado e à confusão de Manhattan.

Quanto à influência que teve Dylan a partir deste disco é melhor deixar de lado.

DAVE CLARK FIVE

2010-07-27T13:23:00.000-07:00

A banda em que o ego do baterista não ficava lá atrás

Dave Clark Five foi a única banda que teve como líder o baterista, tanto que o nome do grupo levava seu nome; além de ser o empresário, produtor, e principal cantor e compositor. Ou seja, a banda era dele – sendo assim, a bateria de Dave Clark ficava posicionada ao centro do palco. Mas não foi apenas por essas peculiaridades que a banda atraiu a atenção da mídia. Eles fizeram muito sucesso entre 1964 e 1966. Para se ter uma ideia, eles conseguiram colocar 15 sucessos entre as 20 da parada americana, e foi a primeira banda inglesa de merseybeat depois dos Beatles a ter uma carreira de sucessos no EUA.

Dave Clark é hoje um multimilionário homem de negócios, dono da DC Productions, um vasto complexo de empresas ligadas ao showbiz. Mas no começo todos os cinco eram muito pobres; tanto que quando David Clark conseguiu comprar sua bateria precisou levá-la para casa de ônibus. Outro fato curioso é que a mãe de um dos cinco integrantes era serviçal no palácio de Buckingham e, fazendo uma boa propaganda da banda por lá, conseguiu que eles se apresentassem no palácio. Como em 1963 o sucesso ainda estava engatinhando, não tinham dinheiro para pagar um carreto até lá, foram com seus instrumentos de metrô.

O grupo foi formado em 1961, em Tottenham, subúrbio ao norte de Londres. Além de Dave Clark (bateria), a banda incluía Mike Smith (vocais e teclado), Lenny Davidson (guitarra), Rick Huxley (baixo) e Denis Payton (saxofone, gaita e guitarra).

Fora do padrão guitarra/baixo/bateria, o David Clark Five foi o único grupo (de sucesso) da música beat a manter em sua formação um tecladista e um saxofonista. Foi a única a capturar por inteiro o real sentido do rock´n´roll dos anos 50, pela sua espontaneidade, dinamismo e alegria. Ainda em defesa de sua música, pode-se acrescentar que foi o único grupo de época, a dar destaque à música instrumental. O baixista Rick Huxley era fortemente influenciado por Ventures e Duane Eddy, o refletiu positivamente na música DC5, principalmente nas músicas instrumentais.

Seu primeiro single, lançado pela gravadora Picadilly, seria “I Knew All the Time”, e depois de ganhar um importante seguimento em clubes de Tottenham, o grupo assinou com a Columbia, onde obteria sucesso com “Glad All Over”, uma vibrante canção escrita por Clark e Smith, seria número 1 na Grã-Bretanha. Em seguida, o David Clark Five conseguiria uma sequência de grandes sucessos, em 1964, como Bits and Pieces, Thinking of You Baba e Any Way You Want it. Essa última ganharia versão do Kiss e Ramones.

Em 1965, seguem conquistando os mercados britânicos e estadunidenses com temas como o cover de Chuck Berry “Reelin´and rockin´”, Come home e Catch us if you can, essa última foi título de um filme estrelado pela banda, dirigido por John Boorman.

Também chegaram ao primeiro lugar no EUA com “Over and Over”, uma velha canção escrita pelo bluesman Robert Byrd. Sua popularidade era imensa, aparecendo regularmente na televisão, principalmente no Ed Sullivan Show. As meninas enlouqueciam com aqueles cinco bonitões simpáticos, as mães aprovavam seus bons modos e impecável elegância, e os rapazes, sonhavam em ser Dave Clark, tocar bateria daquele jeito, ter seu porte atlético.

Apesar de que durante os anos seguintes, obtiveram êxitos com Everybody Knows, The Red Balloon, a popularidade da banda decaiu. A psicodélica, o rock progressivo, o processo evolutivo da música pop, derrotou o Dave Clark Five. Os rapazes tentaram se adaptar; mudou um pouco o visual, barbas cresceram, mas não foram além disso.

No segundo semestre de 1970, o Dave Clark Five pôs fim a carreira, a partir de então, Dave Clark inicia uma lucrativa carreira como homem de negócios (ele sempre levou jeito mesmo), que incluía a posse dos direitos do famoso programa de TV “Ready Steady Go”.

David Clark Five foi mais uma das muitas bandas que fizeram parte da “invasão britânica” e que com o tempo foram caindo no esquecimento, principalmente aqui no Brasil; e a juventude atual sequer já ouviu falar deles. A banda vendeu mais de 100 milhões de álbuns.

Declaration of Dependence (2009) - Kings of Convenience

2010-07-19T12:07:00.000-07:00

Uma declaração de talento dos noruegueses do Kings Of Convenience

Este é o último trabalho lançado pelo duo Kings of Convenience, e qualquer álbum que você ouvir deles, encontrará belas suaves melodias, que são fundamentadas em violões com ocasionais arranjos de cordas e piano. Herdeiros diretos da simplicidade harmônica de outra dupla, só que dos longínquos anos 60, Simon & Garfunkel, impregnam também suas canções com influência de bossa-nova – influência que o duo sessentista não tinha.

Tudo começou quando dois amigos de infância - Eirik Glambek Boe e Erlend Oye – começaram na música com um projeto musical de covers (os Skog) em cima da música do Joy Division. Mas a orientação musical mudaria radicalmente ao adotarem o nome Kings Of Convenience e gravarem o EP “Live In a Room” – realmente gravado em um quarto. O sucesso vem logo, em 2001, com Quiet Is The New Loud e singles como Failure e Toxic Girl, chegando a vender mais de 200 mil cópias.

Descompromissados de gravar todo ano, o duo em mais de 10 anos de carreira, tem apenas três álbuns com canções originais. O último é esse Declaration of Dependence que traz o mesmo estilo que os consagraram: um pop acústico, ora alegre, ora melancólico. No hiato entre álbuns, Eirik deu sequência ao seu curso de psicologia, enquanto Erland lançou disco solo e montou o projeto musical The Whitest Boy Alive (mais eletrônico).

Ao ouvir os primeiros acordes da música que abre o cd, 25-25, já sentimos o que vem pela frente: canções praticamente apenas com violões as quais têm o poder de nos arrematar desse mundo, ou então levarem-nos à essência de tudo que nos envolvem. Beleza assim, nos remete a um rapaz sensível que também tinha essa sensibilidade: Nick Drake, o jovem músico profundo e melancólico, que também usava o violão como força motriz para expressar seus sentimentos mais profundos.

Em uma época em que músicos “descolados” tentam soar moderninhos, criando em seus álbuns profusões de sons "experimentais", enchendo suas canções de overdubs, samplers de tudo que há, convidados famosos (para atrair outros públicos) e produtores badalados do momento, não conseguem o que esses dois rapazes alcançam apenas com violões e canções singelas: tocar a nossa alma.

Lunapark (1992) - Luna

2010-07-06T16:21:00.000-07:00

A banda Luna surgiu das cinzas do Galaxie 500, quando seu líder, Dean Wareharn - um neozelandês radicado nos EUA -, uniu-se ao também neozelandês Justin Harwood no baixo e Stanley Demeski na bateria. Harwood vinha de experiência com os Chills e Demeski, por sua vez, com os Feelies. Luna, um nome derivado da personagem interpretada por Diane Keaton, Luna Schlosser, no filme de Woody Allen "Sleeper", que no início, por motivos contratuais, assinava como Luna2.

O Galaxie 500 era legal? Sim. Mas o Luna também é: só que é um som menos estridente, mais tranqüilo e com mais cara de Television do que Velvet Underground ou se preferir uma versão mais doce do UV (chegaram a abrir para o VU em 1993, quando a banda retornara para alguns shows).

O Luna assinou com a Elektra para gravar "Luna Park" (1992), um grande álbum de estreia produzido por Fred Maher (ex-membro do Scritti Politti), desde o início consegue transportar-nos para as levadas de guitarra de Wareharn, com canções de tom agridoce ,carregadas de melodias maravilhosas e bases instrumentais que é algo maravilhoso de se ouvir.

A banda é também conhecida por fazer versões inusitadas de outros artistas – algo que Dean já fazia no Galaxie 500, quando tocava até música da Yoko Ono! -, as mais curiosas são: "Bonnie and Clyde" de Serge Gainsbourg; "Sweet Child O'Mine", do Guns 'n Roses; Neon Lights", música do Kraftwerk; e "Season Of The Witch" do Donovan. Todos esses covers foram reunidos na coletânea Lunafied (2006), que traz também versões para músicas da Blondie, The Doors e New Order.

Our Ill Wills (2007) - Shout Out Louds

2010-07-05T16:17:00.000-07:00

Quando ouvi Shout Out Louds ainda em seu primeiro álbum, Howl Howl Gaff Gaff (2003), achei as canções muito próximas do que o The Strokes fazia, embora percebia-se algo de The Cure. Já nesse segundo trabalho, não há nada de Strokes e muito de The Cure, inclusive o vocal de Olenius carrega o mesmo timbre de Robert Smith. Menos rock e bem mais pop, Our Ill Wills é ainda o melhor que já fizeram; mesmo que você jure que seja a mistura perfeita de The Cure com The Killers.

Nele se encontra o hit "Tonight I have to leave it", a belíssima “Impossible”, momentos Belle & Sebastian em "Meat Is Murder' e encerram com a roqueira "Hard Rain", que nos remete ao Yo La Tengo, principalmente pelas guitarras uivantes.

Sabemos que a Suécia é um país que tem produzido bandas maravilhosas aos montes – Mando Diao, Club 8, I'm from Barcelona, Those Dancing Days, Peter Bjorn and John -, esta banda de Estocolmo também faz jus à sua procedência. Eles que no começo de carreira atendiam pelo nome de Luca Brasi, mas depois descobrirem outra banda com mesmo nome e, então, resolveram mudar para Shout Out Louds – dizem que foi devido após ouvirem a música “High” do The Cure.

Obs. O single "Shut Your Eyes" foi usado na publicidade do Fiat Punto no Brasil.

Abandoned Love (2010) - Trembling Bells

2010-07-04T15:52:00.000-07:00

Ao ouvir a banda indie folk Trembling Bells não tem como não se lembrar do folk rock britânico dos anos 1960, de bandas como Jade (o visual é idêntico), Incredible String Band, Pentangle e principalmente Fairport Convention – a voz de Lavinia Blackwall é muito semelhante à de Sandy Denny. Portanto, o Trembling Bells carrega todo aquele clima folk psicodélico dos artistas citados. A única diferença é que existe influência de música medieval e um certo clima de indie rock atual, mas a impressão que se passa é que estamos ouvindo alguma banda de folk rock do final da década de 1960.

Este é o segundo trabalho desses escoceses de Glasgow; não há muita diferença em relação ao primeiro álbum Carbeth (2009), mas é tão bom quanto. Os integrantes são Lavinia Blackwall (voz, violão e teclados), Alex Neilson (batera), Mike Hastings (guitarra) e Simon Shaw (baixo e vocal). Abandoned Love é co-produzido por Stevie Jackson (Belle & Sebastian). A banda não tem mais de dois anos de existência, e dizem que o baterista Alex Neilson já foi namorado da vocalista loira (Lavinia Blackwall).

Se esta é sua praia, vá então ouvi-los. Mas que me deu vontade de ouvir Fairport Convention, ah, isso deu.

Paul´s Boutique (1989) – Beastie Boys

2010-06-29T04:18:00.000-07:00

Uma obra-prima que passou despercebida

Nunca esqueci quando vi os três patetas do hip-hop (não confundam com rap) – Mike Diamond, Adam Horovitz e Adam Yauch – pela primeira vez quando lançaram o Fight for Your Right to Party em 1986; uma mistura de hip-hop com heavy metal, versos malucos, muita cerveja, mulheres e festas – festas! Sim, amigos da época diziam que os Beastie Boys chegavam a organizarem festas que duravam até três dias, regadas a orgia de pizza, maconha, mulheres e muita cerveja. Claro, eles tinham muito que festejar, pois seu primeiro álbum, License to III, foi o primeiro LP de hip hop a chegar ao número 1 das listas Billboards. O sucesso dos garotos foi tanto que chegaram a abrir shows para Madonna, sendo que a “rainha do pop” estava em seu auge excursionando com sua Material Girl (o público dela os odiava). Nada mal para uma banda que começou nos subúrbios de Nova York envolvidos com o hardcore local.

Contudo, os Beastie Boys cresceram. Crescerem não só musicalmente como seres humanos também – Adam Yauch chegou a converter-se ao Budismo, e tanto quanto os outros dois, tornaram-se pais e famílias e empresários. Claro, a mudança foi gradativa e o primeiro passo foi dado em 1989 com esse “Paul´s Boutique”. Um trabalho que não vendeu nada e passou quase que despercebido pela mídia. Mas convenhamos: sem este trabalho eles nunca chegariam ao sucesso que foi o álbum seguinte, Check Your Head (1992).

O LP começa com um levinho blues psicodélico e emenda num sacolejante funk Miami com um corinho deslavadamente disco. Seguem-se piadinhas, palavrões, flertes de soul com pilhas de samples classics numa colagem non-stop que era pura molecagem - Johnny Cash, Yosemite Sam. The Isleys, Sweet, a trilha de Psicose, colagens magníficas com samples de Kraftwer, Bob Dylan, Beatles e Led Zeppelin. É divertido você por o disco para ouvir e ficar reconhecendo a genial mistura de samples. E é mais legal ainda se você já possui um grande conhecimento musical. Sem isso, você simplesmente fica boiando.

Paul`s Boutique foi uma mistura de canções com proporções quase míticas. Cortaram e pegaram em pequenas samples que foi transformadas num dos mais importantes comunicados da subcultura dos anos 1990. O coeficiente de inteligência do álbum era exatamente o contrário do anterior. Mesclando referências clássicas com as do pop, acrescentaram rimas inteligentes com um som de influências de rock, funk e disco. Paul`s Boutique mostrou visivelmente que os Beastie Boys eram mestres musicais talentosos com mão sob o seu próprio destino artístico.

“Tudo que fizemos até hoje foi de brincadeira. Nunca achamos que fossem levar a sério”

Yauch

MOBY GRAPE

2010-06-15T16:02:00.000-07:00

Na efervescente San Francisco entre 66/67, eles não destoavam em imagem e atitude de seus conterrâneos hippies como jefferson Airplane, Grateful Dead e Quicksilver Messenger Service. Mas enquanto estes seguiam à risca a cartilha psicodélica de temas longos e improvisações, o Moby Grape se concentrava em canções bem delineadas, que fundiam o som lisérgico a harmonias do folk rock de Los Angeles, via The Byrds e Buffalo Springfield.

O embrião do grupo se chamava The Frantics e tocava no circuito entre o norte da Califórnia e Seattle. O núcleo era o guitarrista Jerry Miller, o baixista Bob Mosley e o baterista Don Stevenson. No fim de 1966, eles foram para San Francisco na emergente onda psicodélica. Lá conheceram Peter Lewis (filho da atriz Loretta Young, que era líder e guitarrista da banda Peter And The Wolves) e Alexander "Skip" Spence (um canadense descolado na cena freak, que já havia tocado guitarra nos primórdios do Quicksilver Messenger Service e até bateria no disco de estréia do Jefferson Airplane).

O quinteto teve uma projeção relâmpago, devido à afiadíssima condução das guitarras de Spence/Miller/Lewis e ao entrosamento vocal. Mas não era só: todos os cinco eram compositores - e dos bons -, o que garantia não só a qualidade, mas também a diversidade de suas canções. Infelizmente devido a problemas internos que terminariam culminando com o desaparecimento do grupo poucos anos depois de sua criação.

Tudo começou com o esquema surreal que cercou seu álbum de estréia homônimo. Descobertos pelo produtor David Rubinson, eles assinaram com a Columbia. No início de 67, gravaram o disco em três semanas, praticamente ao vivo - à exceção dos vocais. Rubinson estava tão certo que seria uma tacada certeira que convenceu a gravadora a lançar dez das treze faixas em cinco compactos 45 rpm, simultaneamente! O único a figurar na Billboard (88°) foi "Omaha", de "Skip" Spence. Esta estratégia comercial suicida culminou com a festa de lançamento, com direito a situações insólitas tais como uma chuva de dez mil orquídeas sobre os convidados (que ficaram levando tombos ao escorregar nas pétalas amassadas), setecentas garrafas de vinho e nenhum abridor, além da posterior prisão de Miller, Lewis e Spence por estarem portando maconha na companhia de três garotas menores de idade. A conduta pouco ortodoxa deles não agradou em nada à gravadora, já irritada por ter que "apagar" da foto na capa do álbum o dedo médio de Don Stevenson, em posição de "fuck you".

Assim, eles foram despachados para Nova York e intimados a fazer um disco mais "normal". O que saiu não foi exatamente isso, mas Wow, uma colcha de retalhos remendada por sopros e cordas, que mesmo assim possuía vários momentos brilhantes. Nota: apesar de a rotação original ser 33 rpm, o álbum tinha uma faixa para ser tocada em 78 rpm e era acompanhado pelo disco-bônus Grape jam, com gravações ao vivo do grupo junto ao tecladista Al Kooper e ao guitarrista Mike Bloomfield.

A essa altura, a banda já dava os primeiros sintomas de desintegração, com Spence cada vez mais se encharcando de LSD e cometendo loucuras como correr por um hotel atrás de Don Stevenson com um machado! "Skip" não tardou em abandonar o grupo, que logo se desfez para voltar em seguida sem ele, no álbum "Moby Grape ´69', puxado para o country e o rhythm´n´blues. Já sem Mosley, o trio remanescente fez "Truly Fine Citizen" em 70, um disco ainda mais voltado para a música de raízes e que foi o real epitáfio da banda. Mais tarde, Mosley também abandona o barco, ops... quero dizer, entrar no barco, porque resolveu mudar de vida e tornar-se marinheiro.

Depois disso, seus membros tentaram se reunir por várias vezes, eventualmente usando nomes diferentes, devido ao fato de um antigo manager possuir a posse legal da marca Moby Grape.

É bom lembrar que ainda em 1971, houve uma reunião do quinteto original que daria como fruto o álbum “20 granite creek”, um interessante trabalho produzido por David Rubinson. Moby Grape continuaria aparecendo e desaparecendo de cena, convertidos com o passar dos anos em um grupo de culto e atuando em pequenos locais para o deleite de plateia.

Alexander “Skip” Spencer faleceria em 16 de abril de 1999, por problemas derivados de sua saúde mental – ele nunca bateu muito bem mesmo da cabeça. Bob Mosley, por sua vez, iria ser diagnosticado com esquizofrenia.

OLIVER (1969) - OLIVER SWORFORD

2010-06-04T12:43:00.000-07:00

A música “Good Morning Starshine” é uma canção bastante conhecida, e querida, que foi tema do musical da Broadway Hair, em 1969, como também do filme de mesmo nome, só que realizado em 1979, portanto, 10 anos depois. Quem cantava a esta linda música era um rapaz com ares de bom moço, que poucos por essas plagas o conhece; trata-se, portanto, do cantor Oliver, que era praticamente um cantor de singles no EUA.

William Oliver Sworford era um músico pop, que começou a cantar em sua terra natal, na Carolina do Norte no início dos 1960. De início em grupos pop´s (The Virginians e The Good Earth), mas foi como cantor solo que emplacou seus poucos sucessos, entre eles, a balada “Jean” do filme The Prime of Miss Jean Brodie. No entanto, aqui no Brasil seu grande sucesso mesmo foi “Good Morning Starshine”.

Em 1969 foi lançado o LP “Oliver”. O mais interessante neste LP está nas adaptações de “In My Life” dos Beatles e na de “Ruby Tuesday” dos Rolling Stones. Também podemos destacar o único tema composto por Oliver “The Arrangement, com bonitos detalhes de orquestra de Hutch Davie, colaborador habitual do produtor Bod Crewe. Ademais, temos os êxitos de “Good Morning Starshine” e “Jean”.

Oliver, infelizmente, com o tempo foi caindo no esquecimento, sem nunca conseguir repetir seu sucesso nos anos 60. Acabou abandonando a música para se dedicar a carreira de negócios. O músico veio a falecer em 12 de fevereiro de 2000, com câncer, apenas 10 dias antes de completar 55 anos de idade.

2010-06-01T17:17:00.000-07:00

Um quase primeiro disco dos Beatles

Tony Sheridan no final do ano passado fez um megashow na praia de Camburi, em Vitória, no Estado do Espírito Santo, para cerca de 12 mil pessoas no Reveillon de 2009. Quase nada se falou sobre essa passagem do músico inglês no Brasil. Fato lamentável, pois o músico acabou entrando para história da música por ser o primeiro músico a gravar com os Beatles (você achou que era o Eric Clapton?)

Mas quem é Tony Sheridan?

Ele foi um músico de rock inglês que fez um certo sucesso no início dos anos 60, sendo o primeiro artista a tocar guitarra elétrica em um programa de televisão na Inglaterra; mas sua maior proeza foi ter lançado os Beatles no mundo do disco em 1961 – não vale contar com o single de In Spite of All The Danger lançado anteriormente, porque eles ainda assinavam como Quarrymen.

Tony Sheridan conheceu os Beatles na Alemanha, em uma das várias viagens que os Beatles fizeram para Hamburgo. Naquela época vários grupos ingleses tocavam em clubes alemães, como os Hurrycanes (com Ringo Starr na bateria) ou Tony Sheridan. Faziam um agitado circuito de boates e clubes de strip-tease como o Star Club, o Top Ten ou o Indra. A maior parte do público dos shows (além de marinheiros e prostitutas) era formado por roqueiros, que se vestiam à moda teddy boy, de couro e cabelos gomalinados. Foi nessa época que também eles começaram a tomar outras anfetaminas para aguentarem a barra de tocarem durante longas horas como as Black Bombers e Purple Hearts - só anos depois que Bob Dylan apresentaria a eles a maconha.

Foi nesse cenário que, em abril de 1961, voltaram a Hamburgo para tocar no Top Ten, que lhes fornecia um quarto acima da boate, ao lado de onde morava Tony Sheridan. Quando Sheridan recebeu um convite para gravar para a Polydor alemã, levou com ele os Beatles como banda de apoio. Lançaram um EP com "My Bonnie", "Why", "Ain’t She Sweet" (cantada por John) e a instrumental "Cry for a Shadow". O disco foi lançado em agosto de 1961, e os quatro rapazes de Liverpool (que ainda contavam com Stu Sutcliff, no baixo) foram chamados de The Beat Brothers, pois acharam que o nome Beatles iria causar confusão.

Mais tarde esse EP, acrescido de demos e gravações ao vivo, foi lançado em LP, que ao longo dos anos foi mudando de capa e de nome como "The Beatles In Hamburgo", The Early Tapes of The Beatles e The Beatles featuring Tony Sheridan In The Beginning.

Logo após gravarem o EP com Sheridan, é quando John e Paul viajaram a Paris de carona, onde adotaram o visual estilo “mob” e os cabelos penteados para frente (moda dos "exis") ao visitarem o amigo alemão Jürgen Collmer, que estava morando em Paris. Collmer fazia parte da turma dos “exis”, um grupo de jovens universitários intelectualizados. Entre eles também se encontrava a fotógrafa Astrid Kirshner e o artista Klaus Voorman (que criou a capa do Revolver, 1966).